Живопись. Страна Восходящего Солнца. История и культура Японии
Первоначально японцы не имели собственной живописи, а потому заимствовали уже выработанную технику изображения на шелке и бумаге с континента. Постепенно приемы совершенствовались, а в изображениях стали появляться специфические японские черты. Большое применение живопись нашла в религиозных схематических изображениях — мандала. Значительных успехов японские мастера достигли в создании одного из известнейших памятников — «Рёкай-мандала», выражающего милосердие всех Будд — создателей мира. Мандалы писались золотом и серебром на плотном шелке красного или фиолетового цветов. Весьма распространен был стиль мёо, служивший для изображений божеств, охраняющих буддистское учение. Традиционно им придавали грозный облик, что и стало отличительной особенностью этого стиля. Портретная живопись была развита слабо: среди дошедших до нас живописных портретов можно найти лишь изображения проповедников буддизма и основателей школ, что свидетельствует о небольшом распространении светской живописи на данном этапе.
Больше была распространена живопись не на шелке, а на стенах. Свидетельством тому служат многочисленные изображения Будды Амиды в храмах дзёдо. Кроме храмов настенная живопись широко применялась для украшения светских жилищ. Появляются даже специальные объединения профессиональных художников, что свидетельствует о высоком престиже этой профессии и ее хорошей оплате. В быту все больше распространяются разрисованные ширмы, бумажные перегородки в японских жилищах. Чаще всего на них изображали различные пейзажи, но встречаются и росписи на исторические темы, а также просто декоративные узоры, полные символизма и глубокого эстетического понимания природы.
Еще одной сферой распространения живописи стала специфическая японская манера иллюстрации свитков с записями художественных произведений. Это направление получило название «эмакимоно», а художники, владевшие им, очень ценились среди представителей знати. Появляются даже вертикальные свитки «какэмоно», предназначенные не для чтения, а для украшения стен, для любования искусством мастера. Наиболее значимым периодом развития данного типа живописи стали иллюстрации знаменитой «Повести о Гэндзи», выполненные столь искусно, что, даже не читая повести, можно проследить все события, одновременно наслаждаясь совершенством исполнения рисунков. Постепенно искусство иллюстрации переродилось в другое специфически японское направление — японскую графику, воплощенную в лучших работах японских мастеров каллиграфии. Здесь важно уточнить отличие от европейского понимание каллиграфии. Если для жителей Европы это искусство красиво писать, то для японского народа красота каллиграфии заключена в процессе: плавных линиях, движениях кисти, игре цветов и других тонкостях, подчас недоступных европейскому сознанию.
Поделитесь на страничке
Следующая глава >
history.wikireading.ru
PRO Japan - Живопись Японии
Японская живопись весьма разнообразна как по содержанию, так и по
формам. Это настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и
горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шелке и бумаге, альбомные листы и
веера. О древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в
письменных документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся
произведений относятся к периоду Нара (645—794) — это росписи
храма Хорюдзи. Исполненные гибкими линиями, с легкой подкраской, они
перекликаются с индийскими и китайскими образцами. В период Хэйан
(794—1185) в буддийской живописи получили широкое распространение
иконы-мандалы, представляющие собой символические схемы мироздания. К
этому же периоду относятся первые образцы светской живописи,
представленные в горизонтальных свитках, иллюстрирующих
аристократические повести и романы. Наиболее известное произведение
этого рода — иллюстрации знаменитой «Повести о Гендзи»
(Гендзи-моногатари), авторство которой принадлежит писательнице Мурасаки
Сикибу. Иллюстрации были выполнены на десяти горизонтальных свитках и
дополнены текстом. Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси
(первая половина XII в.). Характерной особенностью культуры той эпохи,
созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ
красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной
жизни свойственное им очарование, подчас неуловимое и ускользающее.
Произведения живописи того времени, получившей впоследствии название
«ямато-э» (в буквальном переводе — «японская живопись»), не столько
следуют развитию действия, сколько стремятся раскрыть
элегически-грустное настроение героев. Это проявляется в застывших
силуэтах фигур и специфическом коричневато-бирюзовом колорите.
Когда в конце XII века к власти пришли суровые и мужественные
представители военного сословия, наступил закат культуры Хэйанской
эпохи. В художественных ценностях произошел сдвиг от изящности и
аристократической рафинированности позднего Хэйан к прагматичности и
аскетичности во вкусе новых правителей Камакура. В живописи на свитках
утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов
легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской религии, сцены
сражений воинов. Распространились также портреты военачальников и
монахов. Последние, служившие символом невербальной связи между учителем
и учеником, занимали важное место в храмах, наряду с живописью и
скульптурой. Одно из самых популярных изображений — портреты
Бодхидхармы, монаха, пришедшего в V веке из Индии и основавшего
китайскую секту чань; он стал легендарным основателем плеяды патриархов
дзэн. В самом «непочтительном» стиле Бодхидхарма часто изображается с
большой долей юмора, что порицалось традиционными буддийскими школами.
Спонтанная живопись тушью по белой бумаге пришла из Китая, однако
спонтанность, юмор и натуралистические элементы были привнесены японской
традицией.В период Муромати (1333—1573) под воздействием учения секты Дзэн с
его особым вниманием к природе начала развиваться пейзажная живопись
(первоначально под влиянием китайских образцов). В течение полутора
веков японские художники осваивали китайскую художественную систему,
сделав монохромную пейзажную живопись достоянием национального
искусства. Ее наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420—1506), больше известного под псевдонимом Сэссю.
Первые свои работы Сэссю создал во время своего путешествия по Китаю.
Позднее, уже на родине, в «Длинном свитке пейзажей» художник обрел
собственный взгляд на мир и свой особый живописный почерк. В своих
пейзажах Сэссю, пользуясь одними лишь тончайшими оттенками черной туши,
сумел отразить всю многоцветность мира природы и ее бесчисленных
состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, пронизывающий ветер
и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы. Наследие
национальной живописи «ямато-э» получило развитие в росписях на свитках,
ширмах, перегородках и т.п., для которых характерно сочетание общего
условно-декоративного характера композиции (плоскостные фоны, нередко
золотые, тщательно прорисованные контуры) — с подчеркнуто правдоподобным
изображением отдельных мотивов. В период Момояма
(1573—1614) декоративная живопись получает дальнейшее развитие, широкое
распространение получают настенные росписи, украсившие дворцы правителей
страны и крупных феодалов. Крупнейшим мастером декоративной живописи
был знаменитый Кано Эйтоку, живший во второй половине XVI в. На одном из
немногих сохранившихся его произведений — «Кипарис» — изображен мощный
ствол гигантского дерева, протянувшийся на все восемь створок ширмы.
Золотой фон подчеркивает яркость красок, делает их более звучными. В период Эдо
(1614—1868) достигли расцвета различные школы монохромной живописи. В
развитии декоративной живописи важную роль сыграла так называемая школа
Сотацу — Корин. Заслугой ее выдающихся мастеров Таварая Сотацу и Огата Корин
стало то, что они соединили технику традиционной живописи на свитках с
приемами настенных росписей предшествующего столетия. Живопись этих
художников тяготела к литературным сюжетам прошлых веков, передавала
лирические переживания героев, но одновременно была зрелищной, что
отвечало вкусам того времени .
Важнейшим видом изобразительного
искусства, возникшим в эпоху позднего Средневековья, была гравюра на
дереве. Гравюру, как и жанровую живопись, называли «укиё-э» (буквально:
«картины повседневного мира»). В создании гравюры, помимо художника,
который создавал рисунок и писал свое имя на готовом листе, участвовали
резчик и печатник. Сначала гравюра была однотонной, и ее раскрашивал от
руки сам художник или покупатель. Затем изобрели печать в два цвета, а в
1765 г. художник Судзуки Харунобу (1725—1770) впервые применил
многоцветную печать. Для этого резчик накладывал на специально
подготовленную доску продольного распила (из древесины груши, вишни или
японского самшита) кальку с рисунком и вырезал необходимое количество
печатных досок в зависимости от цветового решения гравюры. Иногда их
было больше тридцати. После этого печатник, подбирая нужные оттенки, на
особой бумаге делал оттиски. Его мастерство состояло в том, чтобы
добиться точного совпадения контуров каждого цвета, получаемых с разных
досок.
В искусстве гравюры выделялись два основных направления: театральная гравюра, изображавшая актеров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательная гравюра, посвященная изображению красавиц и сцен из их жизни. Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тёсюсай Сяраку,
изображавший лица актеров крупным планом, подчеркивая особенности
исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в
персонаж пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство . Основной прием
Тёсюсай Сяраку — гротеск, преувеличение — создавал впечатление
внутренней напряженности и экспрессии его героев . Основоположниками бытописательной гравюры были выдающиеся художники Судзуки Харунобу
(«Чтение») и Китагава Утамаро (1753—1806). Утамаро был создателем
женских образов, воплощавших национальный идеал красоты («Женщина перед
зеркалом»). В сериях его гравюр на темы из жизни женщин — «Соревнование в
верности», «Часы и дни девушки», «Избранные песни любви»,
«Прекраснейшие женщины современности» и др. — как правило, нет
повествования, действия. Его героини как будто застыли на мгновенье и
кажется, что в следующий миг они продолжат свое плавное грациозное
движение. Но эта пауза — наиболее выразительный момент, когда наклон
головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувство, которым они живут
(Китагава Утамаро. Гравюра из серии «Прекраснейшие женщины
современности»). Самым известным мастером гравюры конца XVIII — первой половины XIX вв. был гениальный художник Кацусика Хокусай
(1760—1849). Его искусству свойственны невиданный по широте охват всех
явлений жизни, интерес ко всем ее проявлениям — от незатейливой уличной
сценки до величественных и грозных природных стихий . Творчество Хокусай
основывается на многовековой живописной культуре Японии. Хокусай изучал
также творчество старых китайских мастеров, был знаком с европейской
гравюрой. Мастер исполнил более тридцати тысяч рисунков и
проиллюстрировал около пятисот книг. Будучи уже семидесятилетним
стариком, Хокусай создал одно из самых значительных своих произведений —
серию «Тридцать шесть видов Фудзи» , позволяющую поставить его в один
ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. Показывая гору
Фудзи — национальный символ Японии — из разных мест, Хокусай впервые
раскрывает образ родины и образ народа в их единстве. Новаторство
Хокусай — в самой сути его искусства, его глубинной содержательности,
связях со своим временем. Художник увидел жизнь как единый процесс во
всем многообразии ее проявлений, начиная от простых чувств человека, его
повседневной деятельности и кончая окружающей природой с ее стихиями и
красотой . Творчество Хокусай, вобравшее в себя многовековой опыт
искусства своего народа, — вершина в художественной культуре
средневековой Японии, ее замечательный итог. Расцвет пейзажного жанра связан также с именем Андо Хиросигэ
(1797—1858), признанного мастера цветной ксилографии, младшего
современника Кацусика Хокусай. В отличие от последнего, выработавшего
характерный тип эпического японского пейзажа, Андо Хиросигэ в своих
произведениях воплотил камерный, лирический образ национальной природы .
projapan.my1.ru
Японская живопись
02.01.2012
Нужно отметить, что в Японской живописи с конца VII до середины VIII в. наблюдаются те же два основных направления, что и в скульптуре: китайское (китаизированное) и более оригинальное и самобытное, японское.
ЯПОНСКАЯ ЖИВОПИСЬ VII—VIII вв
Японская живопись в начале VII—VIII вв. в основном связана с религиозной тематикой. В живописи многих найденных свитков и других памятников истории появляются заимствованные из Китая не только техника, но и сам типаж, сюжет, композиция, цвет. Все это получило широкое распространение на японской почве и впоследствии оказывало существенное влияние на формирование японского стиля в живописи.
В конеце VII — первой половине VIII в. еще существовали и другие виды живописи, монументальной, так и декоративной: стенопись и живопись по лаку. Одним из самых интерестных и уникальных памятников древней японской живописи является стенопись Кондо в Хорюдзи. Это выдающийся образец монументального искусства Японии.
Вместе с тем в живописи Японии (кондо Хорюдзи) можно наблюдать и другие примеры и технические приемы, так же заимствованные с других континентов. Известно, что в работах художника Хотана начинает происходить замена пластического изображения плоскотным, т.е. сама техника оконтуривания пластического объема начинает вытесняться техникой передачи объема одним линейным контуром.
Нужно отметить, что в Японской живописи с конца VII до середины VIII в. наблюдаются те же два основных направления, что и в скульптуре: китайское (китаизированное) и более оригинальное и самобытное, японское. К первому случаю относится стенопись Кондо и живопись Сесоин, а ко второму вышивка из Тюгудзи (Дайдфйроп) и росписи Тамамуси. Японские художники медленно вырабатывают свой стиль письма, тем самым закладывая основы национального искусства.
Японская живопись IX—XI вв
В эти века искусство развилось так широко, что можно смело утверждать о начале японской национальной живописи в целом. Получив название - Яматоэ (живопись Ямато). Именно Ямато: японское наименование страны подчеркивает чисто японское происхождение этого искусства. Яматоэ — живопись Ямато — противопоставлялось караэ — живописи Китая. Яматоэ, это - разрисованные бёбу (ширмы), фусу-ма (перегородки), и все возможные принадлежности японского быта, строившегося так, что внутреннее помещение составляло одну единственную площадь, которую можно было в любой момент превратить в несколько независящих друг от друга отсеков, оградив отдельные участки ширмами или разделив их друг от друга съемными плотными бумажными перегородками. В домах богатых людей ширмы и перегородки всегда расписывались. Чаще всего — это был определенный пейзаж, но не всякий, а лишь только такой, в котором был свой особый пейзажный «сюжет», например цукинамиэ сикиэ (смена времен года), (движение луны по небосводу). В первом случае картины весны, лета, осени, зимы, все эти образы времен года передавали их символами, например: цветком вишни для весны, летящей птицей для лета, полной луной для осени, снегом для зимы, во втором давалось несколько картин с разным положением луны. Нередко в пейзажные картины вводился жанр из репертуара нэнтю-гёдзи (годового обихода) — обрядов, связанных с определенным сезоном, которых получалось двадцать четыре, или каким-либо одним днем. Например, цукими (любование луной) — поклонение полнолунию, ханами (любование цветами) — ритуальное, каким оно было в старые времена и т. д. Подобные жанровые сюжеты отлично вписывались в пейзажи, но в них также помещались и такие сюжеты, как, например, цуйна - изгнание злых духов или бед, такой обряд совершался при каждой смене сезона. В пейзаж легко вносилось например, изображение лошадей, отбираемых в дворцовую конюшню. Эта церемония входила в «годовой обиход». Именно такой скрытый динамизм времени, составляющий, в сущности, самый предмет изображения, и характерен для японской живописи этого периода.
Японская живопись XII-XIV вв
Моко сюрай эмаки — так называемый свиток картин, где изображаются подвиги главным образом Суэнага и его воинов. Так появилось на свет Эма-кимоно — на этот раз живописная транскрипция не определенного художественно-словесного произведения, а исторического спектакля, разыгранного самой историей. В следствии чего в дальнейшем, появились эмаки-моно, рисующие подвиги и второго облика героя воположную художественную цель имеют тинсо (живописные изображения буддийских деятелей), ого нисээ - или "портрет".
Убедительный свидетельством развития в эту пору портретной живописи служит тот факт, что героем эпохи был именно человек: войн и монах. При изучении портретной галереи XI—XIII веков можно увидеть что ее составляют изображения деятелей буддизма. Основной задачей портретного изображения было, показать, как борется в человеке его духовная природа с его материальной, а эта борьба сильнее всего проявляется в монахе. Но и борьба духовного начала в них выражается по-разному, портретное искусство отразило и это: изображенные на картине люди индивидуальны, каждый сам по себе, как он есть, но взятый, так сказать, изнутри.
Японская живопись XV-XVI вв
Главным предметом искусства этого периода так же остается человек. Но теперь духовный поиск состоял в познании «истинной природы будды», то есть высшего бытия. Но такие поиски происходили, не где-то в «том мире», а совсем рядом, в «этом мире». На падшей и грязной земле, и не вне человека, а внутри самого человеке. Если рассматривать Дзэн как религию, то эта религия бога в человеке.
Именно такое умонастроение захватило художников и стало проявиляться в искусстве того времени. Художники, перестали изображать будд и как один стали изображать людей. Но каких именно? Роль героев досталась тем, кто учил познанию, кто сам достиг познания, то есть наиболее уважаемых и почитаемых деятелей своего учения. В дзэнских храмах, естественно, как и прежде оставались изображения Амитаба и Каннон и всяких других персонажей буддийского пантеона, но это всего лишь дань уважения традиции, установленному порядку, новое же, что появилось в этих храмах и что занимало первое место, были так называемые - Тинсо (портреты людей) — живописные и скульптурные.
Портреты были лишь одним из видов искусства живописи того периода. Другим видом искусства — Суйбо-куга (дословный перивод — картины водой и тушью, так как тушь разводилась в воде) или Иначе—сумиэ (картины тушью). Их писали на очень плотной бумаге или как вариант на шелке.
Так же в тот период в Японии появилась монохромпая живопись в конце XIII века и была заимствована из Китая, в основном дзэнскими монахами. Ее расцвет в Японии приходится на XV—XVI века, когда работали великие мастера, такие как: Дзёсэцу (1393—1427), Сюбун (середина XV в.), Сэссю (1420—1506).
На картинах изображалась природа — растения, птицы, пейзажи с горами и реками, животные — и вписанные в пейзаж и взятые отдельно, люди — как отдельная единица так и как элементы сюжета, нередко выраженного в виде чисто жанровой ситуации. Однако эти картины, в большенстве своем — известную часть, следует воспринимать с философской точки зрения.
Японская живопись весьма разнообразна как по содержанию, так и по
формам. Это настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и
горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шелке и бумаге, альбомные листы и
веера. О древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в
письменных документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся
произведений относятся к периоду Нара (645—794) — это росписи
храма Хорюдзи. Исполненные гибкими линиями, с легкой подкраской, они
перекликаются с индийскими и китайскими образцами. В период Хэйан
(794—1185) в буддийской живописи получили широкое распространение
иконы-мандалы, представляющие собой символические схемы мироздания. К
этому же периоду относятся первые образцы светской живописи,
представленные в горизонтальных свитках, иллюстрирующих
аристократические повести и романы. Наиболее известное произведение
этого рода — иллюстрации знаменитой «Повести о Гендзи»
(Гендзи-моногатари), авторство которой принадлежит писательнице Мурасаки
Сикибу. Иллюстрации были выполнены на десяти горизонтальных свитках и
дополнены текстом. Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси
(первая половина XII в.). Характерной особенностью культуры той эпохи,
созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ
красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной
жизни свойственное им очарование, подчас неуловимое и ускользающее.
Произведения живописи того времени, получившей впоследствии название
«ямато-э» (в буквальном переводе — «японская живопись»), не столько
следуют развитию действия, сколько стремятся раскрыть
элегически-грустное настроение героев. Это проявляется в застывших
силуэтах фигур и специфическом коричневато-бирюзовом колорите.
Когда в конце XII века к власти пришли суровые и мужественные
представители военного сословия, наступил закат культуры Хэйанской
эпохи. В художественных ценностях произошел сдвиг от изящности и
аристократической рафинированности позднего Хэйан к прагматичности и
аскетичности во вкусе новых правителей Камакура. В живописи на свитках
утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов
легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской религии, сцены
сражений воинов. Распространились также портреты военачальников и
монахов. Последние, служившие символом невербальной связи между учителем
и учеником, занимали важное место в храмах, наряду с живописью и
скульптурой. Одно из самых популярных изображений — портреты
Бодхидхармы, монаха, пришедшего в V веке из Индии и основавшего
китайскую секту чань; он стал легендарным основателем плеяды патриархов
дзэн. В самом «непочтительном» стиле Бодхидхарма часто изображается с
большой долей юмора, что порицалось традиционными буддийскими школами.
Спонтанная живопись тушью по белой бумаге пришла из Китая, однако
спонтанность, юмор и натуралистические элементы были привнесены японской
традицией.В период Муромати (1333—1573) под воздействием учения секты Дзэн с
его особым вниманием к природе начала развиваться пейзажная живопись
(первоначально под влиянием китайских образцов). В течение полутора
веков японские художники осваивали китайскую художественную систему,
сделав монохромную пейзажную живопись достоянием национального
искусства. Ее наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420—1506), больше известного под псевдонимом Сэссю.
Первые свои работы Сэссю создал во время своего путешествия по Китаю.
Позднее, уже на родине, в «Длинном свитке пейзажей» художник обрел
собственный взгляд на мир и свой особый живописный почерк. В своих
пейзажах Сэссю, пользуясь одними лишь тончайшими оттенками черной туши,
сумел отразить всю многоцветность мира природы и ее бесчисленных
состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, пронизывающий ветер
и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы. Наследие
национальной живописи «ямато-э» получило развитие в росписях на свитках,
ширмах, перегородках и т.п., для которых характерно сочетание общего
условно-декоративного характера композиции (плоскостные фоны, нередко
золотые, тщательно прорисованные контуры) — с подчеркнуто правдоподобным
изображением отдельных мотивов. В период Момояма
(1573—1614) декоративная живопись получает дальнейшее развитие, широкое
распространение получают настенные росписи, украсившие дворцы правителей
страны и крупных феодалов. Крупнейшим мастером декоративной живописи
был знаменитый Кано Эйтоку, живший во второй половине XVI в. На одном из
немногих сохранившихся его произведений — «Кипарис» — изображен мощный
ствол гигантского дерева, протянувшийся на все восемь створок ширмы.
Золотой фон подчеркивает яркость красок, делает их более звучными. В период Эдо
(1614—1868) достигли расцвета различные школы монохромной живописи. В
развитии декоративной живописи важную роль сыграла так называемая школа
Сотацу — Корин. Заслугой ее выдающихся мастеров Таварая Сотацу и Огата Корин
стало то, что они соединили технику традиционной живописи на свитках с
приемами настенных росписей предшествующего столетия. Живопись этих
художников тяготела к литературным сюжетам прошлых веков, передавала
лирические переживания героев, но одновременно была зрелищной, что
отвечало вкусам того времени . 
.jpg)
