Музыка искусство древнее. "Сердце, воображение и разум"                                             Сайт учителя  МХК                                                      Романовой Ольги Владимировны
История современного города Афины.
Древние Афины
История современных Афин

История искусств музыка. (основные моменты выделены и подчеркнуты). Музыка искусство древнее


История искусств музыка. (основные моменты выделены и подчеркнуты)

№ 1 АНТИЧНАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ КУЛЬТУРА.

Музыка Древней Греции

Музыка Древней Греции сохранилась в немногочисленных фрагментах, которые представляют собой надписи, высеченные на каменных колоннах и гробницах. Для музыкального письма использовали буквы греческого и финикийского алфавита, первый написанный текст был :как найти работу. Однако судить о древнегреческой музыкальной культуре можно не только по этим фрагментам, но и по произведениям изобразительного искусства (например, на античных вазах встречаются изображения музыкальных инструментов) и литературы (в частности, трудам Аристотеля, Платона и других философов). Сохранились трактаты, посвящённые музыке.

Немало интересных сведений можно почерпнуть и из мифологии. Так, сказания о певце и музыканте Орфее повествуют о волшебной силе музыки: Орфей своим искусством покорял не только людей, но и богов, и даже природу. Мифы объясняют происхождение некоторых музыкальных инструментов. Музыка играла важную роль в жизни древних греков. Она звучала во время бракосочетаний, застолий, войн, похорон, была неотъемлемой частью религиозных праздников и театральных представлений.

В древнейшие времена певцы и музыканты не имели профессионального образования; их искусство основывалось на импровизации. Создание первой музыкальной школы, основателем которой стал поэт Архилох, относится примерно к 650 г. до н. э. В основе музыкальной системы греков лежит тетрахорд (от греч. "тетра..." - часть слова, означающая "четыре", и "хорде" - "струна") - четыре последовательных звука, нисходящие от первого к последнему. При соединении двух тетрахордов образуется звукоряд в пределах октавы, который, в зависимости от повышения или понижения одного из звуков, приобретает различную эмоциональную окраску. На такой основе возникли лады: дорийский, фригийский, лидийский и др. Лады у греков, вместе с мелодией и ритмом, считались носителями определённого характера, настроения. Поэтому, чтобы вызвать у слушателя нужный отклик, использовали тот или иной лад, мелодический рисунок и ритм.

Сохранилась легенда о философе, математике и музыканте Пифагоре (VI в. до н. э.), который песней усмирил юношу, собравшегося поджечь дом, где была заперта его возлюбленная. Пифагор и его последователи создали даже особое учение, согласно которому музыка может управлять душой человека, пробуждая в ней добро или зло. Музыке приписывали и целебные свойства. По преданию, поэты и музыканты Арион с острова Лесбос (VII-VI вв. до н. э.) и Терпандр из Спарты (VII в. до н. э.) с помощью музыки спасали людей от тяжёлых болезней.

По мере развития музыки стали появляться теоретические труды. Были созданы трактаты "Элементы гармоники" Аристоксена и "Гармоника" Птолемея (оба II в. до н. э.), "О мусическом искусстве" Аристида Квинтилиана (II или III в. н. э.) и др.

АНТИЧНЫЕ МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ. 

Ведущими музыкальными инструментами Древней Греции были струнные - лира и кифара. Греческая лира устроена предельно просто: это деревянная фигурная рама, на которой вертикально натянуты струны (как правило, не больше четырёх; воспроизводят тетрахорд). Кифара во многом схожа с лирой, но у неё есть плоский резонатор, а число струн может доходить до восемнадцати. Звучание кифары, по мнению греков, пробуждало в слушателях возвышенные чувства - не случайно самым искусным исполнителем на ней считался бог Аполлон.

Широко распространены были и духовые инструменты. О происхождении флейты рассказывает древнегреческий миф. Изобрела этот инструмент богиня Афина. Однако, увидев, как безобразно раздуваются шёки при игре, Афина бросила флейту и наложила проклятие на каждого, кто прикоснётся к ней. Флейту подобрал сатир Марсий и выучился играть. Для истории музыки особенно интересен финал сказания. Марсий достиг необычайного мастерства и вызвал на состязание самого Аполлона. Бог, игравший на кифаре, победил и в наказание за дерзость подверг Марсия мучительной казни. Так кифара и флейта - струнный инструмент и духовой - оказались противопоставлены друг другу. Причём кифара олицетворяла божественное вдохновение, а флейта - земное начало, в котором сочетаются и мастерство, вызывающее восхищение, и страсть, инстинкт, таяшие в себе неведомые опасности. Помимо обычной флейты у греков пользовалась популярностью многоствольная, т. е. состоящая из нескольких трубок разной длины. Этот инструмент известен многим народам, в частности с древнейших времён китайцам. В Греции такую флейту называли "флейта Пана", или "сиринга". Согласно мифу, создал её Пан - божество стад, лесов и полей. Он влюбился в лесную нимфу Сирингу, но внушил красавице только ужас. Чтобы спастись, она бросилась к реке, и речные нимфы превратили её в тростник. В тоске по Сиринге Пан срезал тростник и сделал из него флейту. Новый инструмент он назвал именем своей возлюбленной - сиринга. Для современного человека звуки флейты Пана просты и незатейливы, но древние греки чувствовали в них глубоко скрытую страсть, внутреннюю драму, которую и передали в сказании.

Звучал в Древней Греции и авлос - духовой инструмент, звук из которого извлекался через специальную пластинку-язычок, вставленную в отверстие. Исполнитель, надавливая на язычок губами, регулировал громкость и даже менял тембр звука. Греческий авлос можно считать прототипом европейских язычковых духовых - гобоя, кларнета и др. Как правило, музыкант играл сразу на двух авлосах и получал тем самым возможность исполнять двухголосную музыку.

В росписях на древнегреческих сосудах музыканты с авлосами обычно изображались в сценах пиров и различных увеселений: вероятно, считалось, что яркое, даже резковатое звучание инструмента разжигает темперамент и чувственность. Этим же целям служили и ударные - бубен, кимвалы (металлические тарелки), систр и специальный инструмент для танцев, похожий на испанские кастаньеты. В изображениях ритуальных действ в честь бога виноградарства и виноделия Диониса ударные инструменты часто держали нимфы - спутницы Диониса.

Римляне использовали все древнегреческие инструменты, однако изобрели и собственные - металлические духовые, придававшие особую торжественность триумфальным шествиям и парадным церемониям. Это туба (прямая труба), букцина (инструмент в форме рога) и литуус (труба с цилиндрическим стволом и изогнутым раструбом).

В Древнегреческой музыке действовали ритмические формулы, позаимствованные из поэзии, - стопы – чередование кратких («хронос протос») и долгих долей (в 2,3,4,5 раз длинней коротких). Стопный ритм обеспечивает ощущение времени. Такую ритмики называют квантитативной (счётной, количественной).

Под воздействием древнегреческой культуры развивалась музыка Древнего Рима. Поэтические произведения исполняли под аккомпанемент струнных инструментов; не случайно древнеримский поэт Гораций называл свои оды "словами, которые должны звучать со струнами". В театре же самым распространённым жанром была пантомима, исполнявшаяся танцором-солистом под звуки оркестра и пение хора. Римляне устраивали и музыкальные соревнования - так называемые капитолийские состязания.

В Римской империи увлечение музыкой было всеобщим. Например, император Нерон, стремившийся прослыть великим певцом и актёром, участвовал в музыкальных состязаниях и требовал, чтобы ему присуждали главные призы. Профессия учителя музыки пользовалась уважением и почётом.

studfiles.net

Музыка как искусство

Музыкальное искусство обладает уникальным свойством: с помощью звуков оно доносит до слушателя мысли и чувства композитора, воплощенные в художественных образах. Конечно, каждый слушатель по-своему воспринимает и понимает музыкальное произведение, составляет собственное мнение о его содержании и средства выразительности в соответствии со своими взглядами, вкусами, опытом. В каждой сфере художественной деятельности человека классификацию по жанрам осуществляют в зависимости от специфики того или иного вида искусства. Например, портретный жанр, пейзаж, натюрморт выделяют только в изобразительном искусстве. Этюд, песня, романс, пьеса присущи нескольким видам искусства: литературе, музыке и театру. Симфония, соната, увертюра, ария, кантата, оратория, хор - только музыке.

Музыкальный жанр - понятие, которое характеризует распределение музыкального многообразия по роду и виду. Музыкальные жанры классифицируют исходя из их происхождения, условий исполнения, восприятия или по многим другим признакам (содержанию, структуре, средствам выражения, составу исполнителей и т.д.). Разные жанры различают по особенностям их содержания и формы, что обусловлено различными жизненными и культурными целями. Например, ритм, темп, мелодика и другие средства выразительности марша замечательно приспособлены к шагу. Совершенно иная цель у колыбельной песни. Она создана для успокоения малыша, убаюкивания его. Вообще, музыковеды считают марш и колыбельную песню первичными жанрами, на основе которых в процессе развития музыки возникали и продолжают возникать новые, дополняя многообразную жанровую палитру. По способу выполнения разделяют вокальные музыкальные произведения и инструментальные. Различают четыре вида музыкального искусства, охватывающие определенный круг жанров. Некоторые жанры одновременно могут принадлежать к различным видам искусства. Например, песня и гимн звучат не только в сольном или ансамблевом, но и в хоровом исполнении. Романс определяют и как камерное вокальное произведение, и как инструментальную пьесу певчего характера. Рапсодию относят и к камерно-инструментальной, и к симфонической музыке.

Классификация музыкальных жанров

По назначению - жанры прикладной, академической и эстрадной музыки. По содержанию бывают лирические, эпические, драматические жанры, а также марш и танец. По месту исполнения - жанры театрального и концертного исполнения, кино и т.д. Музыкальные жанры постоянно обновляются и развиваются.

Итак, музыка это искусство, в котором действительность отражается средствами звуковых художественных образов. Оно нацелено, в первую очередь, на эмоциональную и чувственную сферу человека. Вокальное искусство является древнейшим исполнением музыки. Это искусство передачи художественного содержания музыкального произведения средствами певческого голоса. Посредством слов и интонации звучанию придается эмоциональная выразительность. Пение по количеству исполнителей делится на сольное, ансамблевое в виде дуэта, трио, квартета, квинтета и хоровое. Практикуют пение при наличии инструментального сопровождения и без него, при наличии текста и без слов (вокализ). По манере исполнения пение бывает народное, академическое, эстрадное. По тембру и высоте женское пение бывает сопрано, меццо-сопрано, мужское - тенор, баритон, бас.

Научившись петь, человек стал внимательно прислушиваться к тому, что было вокруг него. Многое, что раньше казалось просто шумом, щебетом птиц, журчанием ручья, шелестом дерева, теперь звучало как музыка. Различные предметы – морская раковина, камыш, туго натянутая тетива охотничьего оружия, камешки, деревяшки для первобытного человека зазвучали, заговорили – превратились в музыкальные инструменты. Ранее других возникли ударные и духовые инструменты, потом струнные и, наконец, смычковые.

До эпохи Возрождения инструментальная музыка имела прикладной, служебный характер, сопровождала различные события жизни. Зарождение и появление музыкальных жанров инструментальной и симфонической музыки было закономерным процессом. Инструментальная музыка исполняется на всевозможных музыкальных инструментах. В древности, когда не было вместительных концертных залов, филармоний для импровизированных концертов любители музыки собирались в своих домах. Так сформировалась камерная музыка. Камерная музыка изначально предназначалась для небольшого количества исполнителей. Для нее важно внимание к внутреннему миру слушателя как личности. Современная камерно-инструментальная музыка оформилась в произведениях венских классических композиторов. Развились такие жанры, как соната и ансамбль, в котором главная роль уделяется струнным инструментам. Слово «сюита» переводится как «последовательность», «ряд». Она представляет собой цикл, состоящий из независимых, контрастных пьес, которые объединяет общая художественная идея. Часто вместо названия «сюита» композиторы употребляют название – «партита». В музыке квартет означает ансамбль, который состоит из четырех участников. Наибольшее распространение получил струнный квартет, в котором пара скрипок, альт и виолончель. Такой состав возник еще в XVIII в., когда исполнители, собираясь по вечерам, упражнялись в игре на струнных музыкальных инструментах. Впоследствии в квартеты стали сочетаться и выдающиеся музыканты. Произведения для струнных квартетов появились начиная с XVIII в. Тогда такие коллективы были достаточно развиты.

В мировой камерной музыке квартеты великих композиторов-классиков прошлых веков и современности занимают почетную нишу. Среди них бессмертные произведения Моцарта, Бетховена, Брамса. Основоположники классического квартета в России – А.П. Бородин и П.И.Чайковский. Достойный вклад в квартетное наследство внесли такие композиторы как Н. Я. Маяковский, Д. Б. Кабалевский, С. С. Прокофьев, М.С. Вайнберг, Д. Д. Шостакович, Б.А.Чайковский и другие. Симфоническая музыка остается одной из важнейших областей музыкального творчества. К возникновению симфонии были готовы музыканты многих стран, но раньше всего она появилась в творчестве композиторов Мангеймский школы. Именно у них термин «симфония» означал оркестровое циклическое произведение. Классическая симфония сформировалась в конце XVIII в., в творчестве Й. Гайдна и В. Моцарта. Венского композитора Й. Гайдна называют «отцом симфонии», поскольку именно в его творчестве этот жанр впервые достиг высокого художественного совершенства.

Симфоническая музыка охватывает множество инструментальных жанров. Симфонический оркестр объединяет инструменты различных групп, дает богатое разнообразие звуковых фантазий, выразительных средств для воплощения в жизнь самых невероятных замыслов. Симфония включает в себя четыре контрастные части, которые объединены в единую по замыслу композицию. Соната известна в камерно-инструментальной музыке как жанр и как одна из самых продвинутых форм инструментальной музыки. В конце 18 в. на первый план по своему значению вышла фортепианная соната. Фортепиано пришло на смену старинного клавесина и воплотило в себе изысканное богатство мелодичных оттенков. Вместе со стремительной скоростью оно обладает и оркестровым звучанием. Эти качества с успехом использовал в своих фортепианных сонатах Л. Бетховен. Он смог добавить своим произведениям симфонический размах и особую масштабность («Аврора», «Аппассионата»). В конце 18 в. стали появляться первые симфонические произведения отечественных авторов. В это же время стали развиваться все жанры инструментальной музыки – от миниатюры до сонаты и симфонии, что ознаменовало формирование и появление русской композиторской школы. Концерт – имеет два значения. Это большое музыкальное произведение виртуозного характера для солиста и публичное исполнение различных музыкальных произведений. Увертюра – инструментальное вступление к театральному спектаклю (опере, балету, кинофильму или оратории и кантаты). Музыкально – театральные жанры. Балет – союз музыки и хореографии. Содержание, мысли и чувства действующих лиц в балете выражаются средствами музыки и танца. Опера и оперетта – музыкально-драматическое представление, где песни и танцы сочетаются с разговорами, диалогами (музыкальная комедия). Мюзикл – музыкальное представление современной музыки, хореографии, оперетты и оперы.

Мюзикл как новый жанр родился случайно в 1886 году. В одном из Нью-Йоркских музыкальных театров возник пожар, вследствие которого артисты потенряли работу. Продюсер попросил помощи у своего коллеги – режиссера драматического театра. Они создали необычный спектакль, который шел в течение пяти часов, но публика до конца спектакля с восторгом воспринимала действие. Благодаря удачному эксперименту представления нового жанра быстро распространились на театральных подмостках США. Многие из мюзиклов получили высокохудожественное кинематографическое воплощение.

Первоначальное значение слова хор – хороводный танец с пением. Современное хоровое искусство предполагает организованное коллективное исполнение музыкальных произведений, предназначенных для пения. Хорами называют и музыкальные произведения для таких певческих коллективов. Хоровое пение это массовый вид музыкального искусства. Он издавна был неотъемлемой частью культовых религиозных служб. Профессиональное хоровое искусство известно с античных времен. Эта культура присуща многим европейским народам. Церковная и мировая хоровая музыка получила должное развитие и в России. Хоровое исполнение без музыкального сопровождения получило название акапелла. Хоровое пение бывает одноголосым и многоголосым. Среди хоровых жанров основными считают кантату и ораторию – музыкальные произведения концертного типа.

Кантата является вокально-инструментальным произведением для солиста, хора и целого оркестра. Чаще всего она состоит из отдельных арий, подобных монологам в драматическом произведении, и начинается оркестровым вступлением. Кантата включает в себя речитатив, мелодическую декламацию, основанную на языковых интонациях, акцентах и паузах. Это тематически объединенные музыкальные номера в исполнении небольшой группы певцов и хора. Оратория это масштабное музыкальное произведение для хора, солистов и симфоничного оркестра. Главное отличие от кантаты это впечатляющая масштабность и развернутый драматический сюжет, присущий опере. Оратория предназначена для чисто концертного исполнения без декораций, сценической игры и костюмов. Реквием это вокальное или вокально-инструментальное произведение скорбно-патетического звучания. Корни жанра достигают традиций поминальных народных песен-причитаний.

Народный хор – особый тип хора, отличающийся как от академических, так и от церковных хоров манерой пения. Особенность этой манеры открытое пение, благодаря которому достигается особенно яркий тембр звучания. Как и любое искусство, музыка выражает такие переживания людей, как горе, счастье, надежды, мечты. Если сравнивать с другими видами искусства подобное выражение чувств довольно субъективно. Интонационно-образная смысловая окраска музыкальных произведений достаточно абстрактное понятие.

Музыка – искусство динамичное, не постоянное, а по восприятию – слуховое. Специфическим является и ее художественное выражение. Если живопись это – краски и оттенки. Литература – слова и мысли. Хореографии – движения и красота тела. Музыка – это прекрасное художественно организованное звучание. Музыка проходит сложный тернистый путь от создателя к слушателю. Кроме создания и записи музыки, ее необходимо еще воссоздать. Таким образом, мы выяснили, что музыка проходит два этапа профессионального творчества – композиторский и исполнительный. Именно от таланта и мастерства исполнителя зависит окончательный результат трудов композитора.

collectomania.ru

Музыка в синтезе древнерусских искусств

Владышевская Т. Ф.

Средневековая русская культура на протяжении семи веков, вплоть до XVII в., обладала единством, параллелизмом всех составляющих ее частей. В синтез искусств наравне с зодчеством, монументальной фресковой живописью, иконописью, мелкой пластикой, прикладным искусством, литературой входила древнерусская церковная музыка. Дополняя друг друга, разными способами они выражали общее, для всех них единое содержание. Древнерусская церковная музыка — одна из наиболее ярких страниц русской духовной и художественной культуры. К ней приложимы слова, сказанные по поводу средневековой литературы: "...возвышается над своими семью веками как единое грандиозное целое, как одно колоссальное произведение, поражающее нас подчиненностью одной теме, единым борением идей..."1.

Русская средневековая музыка развивалась из одного корня. Основной распев Древней Руси — знаменный — в течение всей тысячелетней истории русской церковной музыки, как могучее древо, рос, давал новые побеги. Все его варианты и разновидности, возникавшие в эпоху Средневековья в виде путевого, демественного, большого и других распевов, были лишь ветвями, произраставшими из этого могучего ствола. Монументальность и величие древнерусской музыки совершенно связаны со скромными средствами выразительности — унисонным пением, лаконичными, строгими красками звучания. П. А. Флоренский в "Рассуждении о богослужении" говорит об особом свойстве древнерусской монодии: "Древнее унисонное или октавное пение... удивительно как пробуждает касание Вечности. Вечность воспринимается в некоторой бедности земными сокровищами, а когда есть богатство звуков, голосов, облачений и т. д. и т. д., наступает земное и Вечность уходит из души куда-то, к нищим духом и бедным богатствами"2.

Творцы древнерусской музыки избегали внешних эффектов, украшательства, чтобы не нарушить глубину чувств и мыслей. Важнейшей чертой средневекового русского искусства была его синтетичность. Одни и те же образы, идеи воплощались разными средствами в разных видах искусства, однако подлинным стержнем синтеза древнерусского церковного искусства служило слово. Слово, его смысл составляли основу песнопений, мелодии способствовали их восприятию, прояснению текста, озвучивали его, иногда иллюстрировали. Не менее значима роль слова и в иконописи. Церковное изобразительное искусство, согласно постановлению Седьмого Вселенского собора, равносильно проповеди, потому что "иконопись для глаза есть то же, что слово для слуха". Фрески, иконы, миниатюры поучали. Созерцание икон, слушание близких к ним по содержанию песнопений создавало такое единство, которое вызывало высокие мысли и чувства. Икона и звучащее перед нею песнопение, молитва составляли пульс духовной культуры Древней Руси, поэтому иконописное и гимнографическое творчество всегда были на большой высоте.

Синтез искусств (к которому стремились в своем творчестве композиторы XX в. и, в частности, А. Скрябин), по существу, был воплощен в средневековом искусстве. Древнерусское богослужение носило характер мистерии, во время которой человек мог получить духовное очищение, освободиться от тяготивших его забот и суеты, нравственно возвыситься. В статье "Храмовое действо как синтез искусств" П. А. Флоренский называет богослужение музыкальной драмой: "Тут все подчинено единой цели: верховному эффекту катарсиса этой музыкальной драмы, и потому все подчиненное друг другу здесь не существует или по крайней мере ложно существует, взятое порознь"3.

Все искусства, одновременно соединяясь в храме, с огромной силой воздействовали сразу на чувства человека, переносили его в возвышенный мир через созерцание икон, слушание песнопений. Ритуальные процессии, крестные ходы и каждения, мерцающие свечи, косые лучи дневного света, проникающие сквозь узкие окна храма, создавали таинственное, возвышенное настроение. Церковное искусство, действуя всеми своими компонентами, переключало человека с проблем сегодняшнего дня на проблемы вечного. "Всякое ныне житейское отложим попечение" — эти слова Херувимской песни, исполняемой на Литургии верных, как нельзя лучше объясняют состояние отрешенности от земного. В отличие от фольклора, ориентированного на трудовую жизнь, повседневный быт человека, церковное искусство обращается к миру верховному, возвышенному, помогает человеку совершить этот переход, в первую очередь воздействуя на слух и зрение. Поэтому важнейшими были музыка и иконопись. Обе они, каждая своими средствами, призваны были осмыслить идеи в звуках и образах. В песнопениях и иконах гимнографы и художники воплощали богословские идеи. Если икону называют "умозрением в красках" (Е. Трубецкой), то песнопение можно было бы назвать богословием в звуках.

На музыкальную культуру Древней Руси всеобъемлющим было влияние Византии, распространяясь на все ее основные аспекты. Оно определяло эстетический склад русской духовной музыки, воздействовало на ее жанровую природу, гимнографию и сферу бытования. Оно сформировало систему нотации и записи древнерусской музыки.

Древняя Русь восприняла византийскую музыкальную культуру и новую музыкальную эстетику вместе с крещением как непосредственный источник, из которого развивалась новая струя музыки, противопоставившая себя исконным народным жанрам. Летописец в "Повести временных лет" объясняет выбор новой веры по византийскому образцу красотой византийского богослужения, поразившей русских послов:

И пришли мы в Греческую землю, и ввели нас туда, где служат они Богу своему, и не знали — на небе или на земле мы: ибо нет на земле такого зрелища и красоты такой и не знаем, как и рассказать об этом. Знаем мы только, что пребывает там Бог с людьми, и служба их лучше, чем во всех других странах. Не можем мы забыть красоты той, ибо каждый человек, если вкусит сладкого, не возьмет потом горького; так и мы не можем уже здесь пребывать в язычестве4.

Византийская эстетика сформировала музыкальную культуру Древней Руси, надолго определив путь развития русской музыки. Церковное пение, услышанное русскими послами в Константинополе, поразило их воображение неслыханной до того красотой.

Красота греческого богослужения стала одним из главных критериев истинности. Преклонение перед красотой, выраженное в тексте летописи, выявляет эстетическую подготовленность, настроенность на восприятие этой красоты, отнюдь не простой, чрезвычайно утонченной, обладающей сложной символикой, своеобразным языком. Именно эстетический аспект явился основополагающим для формирования как византийского, так и древнерусского музыкального искусства, ибо он связал проблемы собственно богословия с музыкой.

Среди важнейших положений теории и эстетики византийского и древнерусского музыкального искусства — идея его богоданности, богодухновенности. Моменты дарования свыше, откровения запечатлены на таких древнейших иконах, как Сошествие Святого Духа на Апостолов, в многочисленных Евангельских миниатюрах, изображающих евангелиста Иоанна с учеником Прохором, прислушивающимся к голосу свыше, и нисходящих с неба лучей, иногда вместе с голубем, воплощающим Святой Дух.

Идея богоданности, основанная на триаде — от Бога через ангелов или святых божественное откровение передается людям, — этот принцип распространялся на все виды искусства, в том числе и на музыку. По преданию, известнейший византийский гимнограф, поэт и мелод, причисленный к лику святых, Роман Сладкопевец получил свой дар составления кондаков и пения по наитию во сне: "В храм Пресвятой Богородицы в Кировых, где он получил дар составления кондаков, явилась ему Святая Богородица во сне и дала ему свиток книжный и повелела съесть его; восстав же ото сна, он воспел: "Дева днесь Пресущественного рождает""5.

Таким образом, его творчество — плод дара откровения. Это предание нашло отражение в иконографии "Покрова Богородицы". Композиция иконы делится на две части по горизонтали. В верхней части изображены небесные силы и Богородица, в нижней — Роман Сладкопевец, поющий мелодии, дарованные ему свыше самой Богоматерью. Она невидимо присутствует в храме, простирая свой покров над народом, лишь один блаженный Андрей видит Ее и показывает на Нее рукой. Романа Сладкопевца окружают певцы, которые подхватывают припев кондака, как это принято при исполнении в духе респонсорного пения, то есть пения певца-солиста, которому подпевает хор или весь присутствующий в храме народ.

Икона "Покрова Богородицы" особенно важна для музыкантов, так как это единственное изображение давно ушедшего из практики, исчезнувшего, видимо, уже в XIV в. кондакарного пения6.

На фреске "Покрова Богородицы" из Ферапонтова монастыря работы Дионисия представлен этот же иконографический сюжет, связь небесного и земного пения здесь передается с помощью цвета. Церковный хор одет в одежды, сходные по цвету с одеждами ангелов — ангельского хора.

Идея совместного служения и пения рода человеческого и мира ангельского проиллюстрирована и текстом кондака "Покрову Богородицы":

Дева днесь предстоит в церкви,

И с лики святых невидимо за ны молится Богу:

Ангели со архиереи поклоняются,

Апостоли же со пророки ликовствуют:

Нас бо ради молит Богородица Предвечнаго Бога.

Во время Литургии священник читает тайную молитву, в которой тоже говорится о сослужении ангельских сил и людей: "...предстоят Тебе тысящи Архангелов и тмы Ангелов, Херувими и Серафими, шестокрылатии многоочитии возвышающийся пернатии", — и далее взывает: "Победную песнь поюще, вопиюще, взывающе и глаголюще". На этот призыв лик церковный отвечает песнью ангельской из пророчества Исайи: "Свят, свят, свят Господь Саваоф, исполнь Небо и земля славы Твоея..."

В словах русских послов летописец передал восторг перед красотой византийского богослужения: "И не знали — на небе или на земле мы: ибо нет на земле такого зрелища и красоты такой..." Для выражения этого восторга у летописца не нашлось лучшего средства, чем сравнение византийского пения с ангельским, небесным, это сравнение типично для Византии. Лучшие византийские певцы именовались "ангелогласными"; такой чести удостоился, например, Иоанн Кукузель — ангелогласный.

mirznanii.com

Статья - Музыкальное искусство Древнего Рима

Музыкальное искусство Древнего Рима.

Каранькова Ю.Н.

Истоки древнеримской музыки (8-6 вв. до н.э. – 3-5 вв. н.э.) — в триумфальных, свадебных, застольных, поминальных песнях, сопровождавшихся тибией (латинское название авлоса), в архаических воинских песнях и плясках.

С V в. до н.э. становится характерной ориентация Римского государства на греческое искусство (заимствование мифологии, мотивов, ввоз предметов искусства). В Рим приглашались музыканты из Греции, Сирии, Египта, Финикии – исполнители на кифаре, певцы, танцовщики: иноземные влияния были весьма сильны. В Древнем Риме, как и в Греции, получило распространение пение поэтических произведений (оды Горация, эклоги Вергилия, поэмы Овидия) в сопровождении тибии, кифары. Среди других инструментов — разновидности арфы и лиры, гидравлос, кимвалы.

По сравнению с греческим, древнеримское искусство утратило демократичность и приобрело зрелищно-развлекательный характер (музыка цирковых, театральных представлений, публичные концерты виртуозов). Гигантские хоры и инструментальные ансамбли сопровождали театральные и цирковые зрелища; бои гладиаторов происходили под звуки труб и рогов. Философ Сенека иронически замечает, что в театре было больше исполнителей, чем зрителей.

Исключительным спросом пользовались учителя музыки и танцев. Поэт Марциал в письме к другу советует его сыну избрать своей профессией преподавание музыки: в таком случае карьера ему обеспечена.

Новым профессиональным видом синтетического искусства зрелищно-развлекательного характера была пантомима, исполнявшаяся танцором-солистом в сопровождении хора (под греческий текст) и большого инструментального состава.

Увлечение музыкой привело к расцвету любительства у римской знати. Последний римский император Домициан в конце 1 в. н.э. основал «капитолийские состязания» поэтов, певцов и инструменталистов. Победители увенчивались лавровыми венками. Император Нерон ввёл «греческие состязания», где сам выступал как поэт, певец и кифаред.

Христианство принесло с собой культуру, противостоящую «языческой» культуре римских празднеств, концертов, состязаний. Сведения о древнеримской музыке, начиная со II века, сочетаются со сведениями о раннехристианской музыке. Однако музыка эта звучала в катакомбах и не имела определяющего значения в музыкальной культуре Рима.

***

Велико значение античной музыкальной культуры. Древнегреческое музыкально-теоретическое учение оказало большое воздействие на развитие европейской науки о музыке. До сих пор музыканты пользуются многими терминами, ведущими своё происхождение от греческой теории музыки: «музыка», «мелодия», «ритм», «гармония», «гамма», «октава», названия некоторых ладов. Создание хоровой и сольной лирики, трагедии, комедии, драмы, разработка учения о музыкальных ладах и звукорядах, а также музыкально-эстетических воззрений – вот далеко не полный перечень завоеваний древнегреческой музыкальной культуры. Античные мифы, трагедии в течение многих веков были источником вдохновения композиторов (опера «Орфей и Эвридика» Глюка, симфоническая поэма Листа «Орфей», опера «Орестея» Танеева).

www.ronl.ru

Театр и музыка Античности. - Сайт учителя МХК Романовой Ольги Владимировны" Сердце, воображение и разум "

Музыка и театр Античности 

 

 

Трагики и комедиографы греческого театра  
Эсхил (525– 456 гг. до н. э.) Софокл (ок. 496–406 гг. до н. э.) Еврипид  (ок. 480–406 гг. до н. э.)

 

 

Отцом греческой трагедии по праву называли Эсхила (525– 456 гг. до н. э.). Его вклад в становление греческого театра трудно переоценить. Он начал свою деятельность, когда театральное искусство находилось на начальной ступени своего развития. В популярной тогда трагедии отсутствовал драматический конфликт и преобладали песни хора, а все роли исполнялись одним актером. Поначалу и в произведениях Эсхила песни занимали существенное место, но постепенно хор теряет свое значение. Главное внимание автор сосредоточил на развитии драматического действия, которое позволяло держать зрителей в напряжении. С этой целью Эсхил ввел сначала второго, а затем и третьего актера. Характеры его героев не меняются на протяжении спектакля. Большинство трагедий Эсхила написано на мифологические сюжеты, и поэтому он сосредоточил внимание на жизни богов, наделенных незыблемым правом вершить судьбы людей. И горе тому человеку» который осмелится подняться выше всесильных богов: его ждут гнев и кара. Эсхилу принадлежало около девяноста пьес, но до нас дошло лишь семь. Вот названия некоторых из них: «Персы», «Семеро против Фив», «Орестея», «Агамемнон», «ПрикованныйПрометей». Тринадцать раз Эсхил выходил победителем на драматических состязаниях, сохраняя за собой славу первого трагика Греции. Популярным трагиком своего времени был Софокл (ок. 496–406 гг. до н. э.). Автор 123 драматических произведений, из которых до нас дошло всего 7, он победил на состязаниях трагических поэтов самого Эсхила. Тридцать раз Софокл выступал перед афинскими зрителями и одержал 24 победы. Расцвет его творчества был связан с правлением Перикла, его друга. |Софоклу многое удалось изменить в греческой трагедии после Эсхила: он ввел в действие третьего актера, увеличил состав исполнителей до 15 человек, сократил объем партий хора. Ему же принадлежит изобретение театральных декораций. Главное внимание он сосредоточил не на внешних событиях, а на изображении внутреннего мира своих героев. В отличие от Эсхила, он показывает людей не такими, какие они есть, а такими, какими они должны быть. Герои Софокла – сильные, почти не сомневающиеся натуры, они чаще смотрят на землю, чем на небо. Лучшие произведения Софокла – «Антигона», «Царь Эдип», «Электра».Влияние Софокла на творчество другого, не менее знаменитого драматурга Еврипида (ок. 480–406 гг. до н. э.) было огромным. Еврипид создал около 90 произведений, большинство из которых посвящено мифологическим сюжетам. Среди дошедших до нас пьес такие шедевры, как «Медея», «Ипполит», «Гекуба», «Электра», «Андромаха», «Ифигения в Авлиде».При жизни Еврипида справедливо называли «философом на сцене» и «самым трагичным из поэтов» (Аристотель). Много изменений внес Еврипид в драматургическую и театральную технику. Он почти свел на нет значение хора, песни которого теперь служили лишь фоном для разыгрывающегося действия. В ходе пьесы хор стал выполнять роль музыкального антракта. Гораздо большее внимание Еврипид стал уделять характерам действующих лиц. Мир человеческих страстей, острых психологических переживаний и душевного надлома – вот что особенно интересовало автора. Он умел показывать такие драматические конфликты, которые держали зрителей в постоянном напряжении. Используемым мифологическим сюжетам он придавал вполне современное звучание. В трагедии Еврипид включал бытовые и любовные сцены и эпизоды, поэтому его пьесы теряли героический характер. Он изображал людей такими, какими они были в действительности.He менее популярным было комедийное творчество Аристофана (ок. 445–385 гг. до и. э.).

 

 

Музыкальное искусство Древней Греции

    Рождению музыки, как свидетельствует один из известных мифов, мы обязаны Древней Греции. Благодаря грекам достоянием музыкальной культуры стали такие важнейшие понятия, как мелодия, гармония и ритм, хор и оркестр, рапсодия и симфония.     В жизни греков музыка значила очень многое. Она сопровождала их во время праздников и торжественных шествий в честь богов, звучала во время гимнастических состязаний атлетов, Олимпийских игр, поэтических турниров и театральных представлений. Обучение музыкальному искусству, его теории и приемам исполнения было обязательной частью образования гражданина и считалось важнейшим средством воздействия на нравственный мир человека. О значении музыки в жизни греческого общества говорили многие выдающиеся мыслители того времени, например Платон:«Музыка воодушевляет мир, снабжает душу крыльями, способствует полету воображения; музыка придает жизнь и веселье всему существующему... ее можно назвать воплощением всего прекрасного и всего возвышенного».Аристотель подчеркивал ее «способность оказывать известное воздействие на этическую сторону души» человека.      Многое могут рассказать о роли музыки древнегреческие мифы, скульптура, росписи на вазах и стенах храмов. Любовью и уважением пользовались странствующие певцы – сказители эпических преданий аэды и рапсоды, воспевающие подвиги героев и деяния богов. Они исполняли песнопения в сопровождении формингса, струны которого натягивались поперек черепахового панциря. В VII–VI вв. до н. э. возникла хоровая и сольная, гражданская и военная лирика. Крупнейшим поэтом-лириком стал Пиндар (род. в 518 г. до н. э.), сочинявший торжественные оды, предназначенные для исполнения на гимнастических или «мусических» состязаниях.       Прославилась и поэтесса Сапфо (VH–VI вв. до н. э.) – «десятая муза» с острова Лесбос. Она создала школу, где знатные девушки обучались поэтическому искусству, пляскам и пению.      Музыкальное искусство древних греков было по преимуществу вокальным (пение в инструментальном сопровождении). Предпочтение отдавалось струнным щипковым инструментам: формингсу (древней разновидности лиры), лире и кифаре, которые лучше всего подходили для возвышенного музицирования. Из духовых инструментов были распространены флейта Пана и авлос (инструмент типа гобоя). Авлос обычно сопровождал театральные представления, гимнастические и танцевальные выступления. Считалось, что этот инструмент более других способен волновать душу человека.

 

флейта Пана

 

     И все-таки особое предпочтение греки отдавали лире, которая сопровождала танец и пантомиму, театральные представления и декламацию стихов. Не случайно древнегреческих поэтов именовали песнопевцами и изображали с лирой в руках. К названию этого инструмента, как известно, восходит литературный термин «лирика». Именно поэтому лира стала символом поэзии и музыкального искусства.      В античной трагедии у музыки была чрезвычайно важная функция – вызывать у зрителей необходимые, по мнению драматурга, чувства и мысли. Роль «идеального зрителя», способного проникновенно и мудро истолковывать смысл происходящего на сцене, выполнял хор. В комедийных же представлениях музыка имела гораздо меньшее значение.      В Древней Греции существовали теоретические школы музыкального искусства. Гармоники считали, что главным критерием музыкально-прекрасного является восприятие на слух («приятное созвучие»). Каноники исходили из отвлеченно-математического понимания музыки. Они утверждали, что «в музыке действуют природа и сила числа». Пальма первенства в их споре принадлежала гармоникам.

 

Музыка Древнего Рима

     Музыкальная культура Древнего Рима развивалась во многом под влиянием греческой, позднее сюда стала проникать музыка с Востока, особенно из Сирии и Египта. Этот сплав разностильной музыки вполне отвечал прихотям богатых римлян, ведущих праздный образ жизни, – музыка призвана была пробуждать «изнеженные чувства», веселить, создавать праздничное настроение.      Исключительным спросом пользовались учителя музыки и танцев. Именно такую профессию поэт Марциал (ок. 40 – ок. 104 гг.) советует избрать сыну друга: лишь в этом случае ему будет обеспечена карьера. Хорошим вкусом у римских меценатов считалось содержать оркестры из рабов.  Впервые была введена практика организации музыкальных концертов. Большой успех имели публичные концерты греческой классической музыки и выступления виртуозов, многие из которых были любимцами императоров. В честь некоторых музыкантов на площадях городов возводились памятники. Особой популярностью пользовались музыкальные состязания поэтов, певцов и кифаристов (исполнителей на кифаре). 

 

 

 

Победителей торжественно чествовали и увенчивали лавровыми венками.

 

     Римская музыка была теснейшим образом связана с лирикой. Не случайно Ювенал называл истинным поэтом того, кто сочетает стихи с мелодиями. Положенные на музыку лирические произведения Овидия, Горация и Катулла демонстрировали органическое единство этих искусств. Среди музыкально-поэтических жанров Древнего Рима можно назвать триумфальные или победные песни, песни застольные, свадебные и поминальные.      Музыка звучала и во время народных праздников, например сбора урожая. В хвалебных гимнах люди выражали благодарность богам за собранный урожай и молили их о будущем. Знамениты и любимы были праздники бога Вакха – вакханалии, сопровождавшиеся музыкой, пением и плясками.

 

 

 

 

После завоевания римлянами Египта в моду вошли водяные органы – гидравлосы, украшающие роскошные виллы и дворцы знати. Пронзительное и громкое звучание этого огромного и неповоротливого инструмента могло распространяться на несколько километров. Вода служила в нем для поддержания давления воздуха, поступавшего в трубы. В римских легионах создавали большие духовые оркестры, сопровождавшие воинов в походах. В них использовались довольно примитивные рога и трубы, разнообразные по форме и тембру. Зато они хорошо выполняли свою функцию – подавать сигналы к действию и ободрять солдат во время сражений.Постепенно музыка становилась ремеслом, способным лишь забавлять и развлекать публику, а поэтому многие мыслители той эпохи утверждали, что музыка, если и возбуждает чувства, то не больше, чем поварское искусство...

 

 

 

 

 

 

 

 

Лира Двойная флейта авлос. Фреска из Этрурии

 

Так мог звучать древнегреческий авлос 

 

 

А так звучит флейта Пана

 

 

 

 

Дополнительно:Энциклопедия "Древний мир" скачать

 

mhkromanova.jimdo.com

Реферат - Музыкальное искусство Древнего Рима

Музыкальное искусство Древнего Рима.

Каранькова Ю.Н.

Истоки древнеримской музыки (8-6 вв. до н.э. – 3-5 вв. н.э.) — в триумфальных, свадебных, застольных, поминальных песнях, сопровождавшихся тибией (латинское название авлоса), в архаических воинских песнях и плясках.

С V в. до н.э. становится характерной ориентация Римского государства на греческое искусство (заимствование мифологии, мотивов, ввоз предметов искусства). В Рим приглашались музыканты из Греции, Сирии, Египта, Финикии – исполнители на кифаре, певцы, танцовщики: иноземные влияния были весьма сильны. В Древнем Риме, как и в Греции, получило распространение пение поэтических произведений (оды Горация, эклоги Вергилия, поэмы Овидия) в сопровождении тибии, кифары. Среди других инструментов — разновидности арфы и лиры, гидравлос, кимвалы.

По сравнению с греческим, древнеримское искусство утратило демократичность и приобрело зрелищно-развлекательный характер (музыка цирковых, театральных представлений, публичные концерты виртуозов). Гигантские хоры и инструментальные ансамбли сопровождали театральные и цирковые зрелища; бои гладиаторов происходили под звуки труб и рогов. Философ Сенека иронически замечает, что в театре было больше исполнителей, чем зрителей.

Исключительным спросом пользовались учителя музыки и танцев. Поэт Марциал в письме к другу советует его сыну избрать своей профессией преподавание музыки: в таком случае карьера ему обеспечена.

Новым профессиональным видом синтетического искусства зрелищно-развлекательного характера была пантомима, исполнявшаяся танцором-солистом в сопровождении хора (под греческий текст) и большого инструментального состава.

Увлечение музыкой привело к расцвету любительства у римской знати. Последний римский император Домициан в конце 1 в. н.э. основал «капитолийские состязания» поэтов, певцов и инструменталистов. Победители увенчивались лавровыми венками. Император Нерон ввёл «греческие состязания», где сам выступал как поэт, певец и кифаред.

Христианство принесло с собой культуру, противостоящую «языческой» культуре римских празднеств, концертов, состязаний. Сведения о древнеримской музыке, начиная со II века, сочетаются со сведениями о раннехристианской музыке. Однако музыка эта звучала в катакомбах и не имела определяющего значения в музыкальной культуре Рима.

***

Велико значение античной музыкальной культуры. Древнегреческое музыкально-теоретическое учение оказало большое воздействие на развитие европейской науки о музыке. До сих пор музыканты пользуются многими терминами, ведущими своё происхождение от греческой теории музыки: «музыка», «мелодия», «ритм», «гармония», «гамма», «октава», названия некоторых ладов. Создание хоровой и сольной лирики, трагедии, комедии, драмы, разработка учения о музыкальных ладах и звукорядах, а также музыкально-эстетических воззрений – вот далеко не полный перечень завоеваний древнегреческой музыкальной культуры. Античные мифы, трагедии в течение многих веков были источником вдохновения композиторов (опера «Орфей и Эвридика» Глюка, симфоническая поэма Листа «Орфей», опера «Орестея» Танеева).

www.ronl.ru


Смотрите также