4. Маска в древнегреческом театре. Маски древней греции

4. Маска в древнегреческом театре

На голове его была маска, представляющая собой не лицо, а голову с прической и головным убором. Над лбом делался выступ-резонатор, для звучания голоса. То что греческая маска смеется или плачет- полный бред. Маска в греческой трагедии выражает только одно –страдание или ужас. Поэтому у маски открыт рот, она как правило кричит.

5. Хор в древнегреческой трагедии. Его идейно-художественное значение в трагедиях Эсхила, Софокла, Еврипида

Хор это главное действующее лицо в греческом театре.

Когда мы читаем греческие трагедии – хор нам все время мешает. Мы больше стремимся прочесть что же написано в эписодиях. Там сюжет. А для грека важен именно хор, потому что хор дает те комментарии, которые помогают точнее понять, что хочет сказать драматург.

Читая «Антигону» или «Царя Эдипа» мы не понимаем кто кому родственник, что там у них случилось до этого. Для греков это была совершенно понятная история. Они знали с чего все началось и чем дело кончится. Истории были известны. (в отличие от шекспировского театра, там люди шли за сюжетом). Картинки необычной тоже не было. Костюмы знаковые, действия традиционные. Хор поет и танцует, актер говорит текст. Агреки смотрели за мыслью автора.Античная трагедия – это супер-интеллектуальное зрелище. Переслушивая известный сюжет, они понимали для себя важные для сегодняшнего дня вещи.

Хор делился на 2 полухория.Они одновременно пели и танцевали и это пение и танцевание были очень специфическим. Это было что-товроде речитатива.

Во время этого одно полухорие двигалось в одну сторону, а другое в другую. И когда полухорие доходило до края орхестры, оно поворачивалось и двигалось в другую сторону. И вот движение в одну сторону называлось – строфа, а вдругую сторону – антистрофа.

Строфа – это поворот мысли поэта.А в греческом театре и физический поворот.

За пародом следовал эписодий.Это событие которое происходит между актерами на проскении.

6. Спектакль в Древней Греции

Греческая трагедия обладает следующей конструкцией (01:56:23)

Она начинается всегда с парода (проход)

Так же называется часть текста. В пьесе парод- это выход хора на орхестру.

Хор это главное действующее лицо в греческом театре.

Когда мы читаем греческие трагедии – хор нам все время мешает. Мы больше стремимся прочесть что же написано в эписодиях. Там сюжет. А для грека важен именно хор, потому что хор дает те комментарии, которые помогают точнее понять, что хочет сказать драматург.

Читая «Антигону» или «Царя Эдипа» мы не понимаем кто кому родственник, что там у них случилось до этого. Для греков это была совершенно понятная история. Они знали с чего все началось и чем дело кончится. Истории были известны. (в отличие от шекспировского театра, там люди шли за сюжетом). Картинки необычной тоже не было. Костюмы знаковые, действия традиционные. Хор поет и танцует, актер говорит текст. Агреки смотрели за мыслью автора.Античная трагедия – это супер-интеллектуальное зрелище. Переслушивая известный сюжет, они понимали для себя важные для сегодняшнего дня вещи.

Хор делился на 2 полухория.Они одновременно пели и танцевали и это пение и танцевание были очень специфическим. Это было что-товроде речитатива.

Во время этого одно полухорие двигалось в одну сторону, а другое в другую. И когда полухорие доходило до края орхестры, оно поворачивалось и двигалось в другую сторону. И вот движение в одну сторону называлось – строфа, а вдругую сторону – антистрофа.

Строфа – это поворот мысли поэта.А в греческом театре и физический поворот.

За пародом следовал эписодий.Это событие которое происходит между актерами на проскении.

В греческом театре было всего 3 актера:

Протагонист – исполнитель главной роли.Он выходил из скены и оставался на проскении.

Дефтарогонист - второй актер.Он выходил из одного парода и потом уходил в другой. Он мог надевать на лицо разные маски.Он мог играть несколько ролей, в отличие от протагониста.

Аристотель написал, что дефтарогониста вывел Эсхил, а Софокл вывел третьего актера - тритагониста.

При Софокле действие пьесы усложнилось, потому что с этого момента тритагонист начинает играть несколько ролей, а дефторогонист становится антогонистом протагониста. С этого момента разворачивается конфликт между двумя героями. (классический пример – «Антигона» Софокла)

«Антигона»:

Антигона – протагонист (все женские роли играли мужчины)

Креонт – дефторогонист

Между ними разворачивается конфликт.

Всех других персонажей играет третий актер

За пародом идет первый эписодий.За ним следуетпервый стасим(это комментарий хора). Во время эписодия хор устраивается на орхестре и смотрит на него. В этот момент зритель чувствует себя частью хора.

Потом следует второй эписодий и второй стасим.

Потом следует третий эписодий и третий стасим.

Эксот- уход хора с орхестры.

Греческая трагедия состоит из трех частей, из трех главных событий.

В первом эписодии находится событие, которое дает толчок всей пьесы (завязка)

Во втором эписодии располагается событие, в котором герои встают перед друг другом в полный рост. Это высшее проявление конфликта в пьесе (кульминация).

В третьем эписодии находится событие, которое разрешает конфликт, заданной в завязке и проявленной в кульминации (развязка)

Это абсолютно классическая конструкция.Треугольник. В любой нормальной пьесе есть 3 части. Аристотель говорил, что у любого произведения есть начало, середина и конец.

Откуда же в классической пьесе берутся 5 актов?

Пример «Гамлет»

Завязка- клятва Гамлета призраку, о том, что он отомстит за его смерть.

Кульминация – сцена Мышеловки

Развязка- все умерли, пришел Фортинбрас

Классическая конструкция нарушается только когда возникает современный театр.Неклассическая конструкция это когда в пьесе 4 действия, как у Чехова(это то же самое, что 2 действия). Тогда уже и нужно строить и придумывать. А в классической пьесе придумывать нечего.

К вопросу о положительных героях.Система деления на положительных героев и отрицательных это порождения театра18-19 веков

Античный театр не должен был показывать никакую реальность. Никакие плохие люди на сцену театра не выносятся.

studfiles.net

4. Маска в древнегреческом театре

На голове его была маска, представляющая собой не лицо, а голову с прической и головным убором. Над лбом делался выступ-резонатор, для звучания голоса. То что греческая маска смеется или плачет- полный бред. Маска в греческой трагедии выражает только одно – страдание или ужас. Поэтому у маски открыт рот, она как правило кричит.

5. Хор в древнегреческой трагедии. Его идейно-художественное значение в трагедиях Эсхила, Софокла, Еврипида

Хор это главное действующее лицо в греческом театре.

Когда мы читаем греческие трагедии – хор нам все время мешает. Мы больше стремимся прочесть что же написано в эписодиях. Там сюжет. А для грека важен именно хор, потому что хор дает те комментарии, которые помогают точнее понять, что хочет сказать драматург.

Читая «Антигону» или «Царя Эдипа» мы не понимаем кто кому родственник, что там у них случилось до этого. Для греков это была совершенно понятная история. Они знали с чего все началось и чем дело кончится. Истории были известны. (в отличие от шекспировского театра, там люди шли за сюжетом). Картинки необычной тоже не было. Костюмы знаковые, действия традиционные. Хор поет и танцует, актер говорит текст. А греки смотрели за мыслью автора. Античная трагедия – это супер-интеллектуальное зрелище. Переслушивая известный сюжет, они понимали для себя важные для сегодняшнего дня вещи.

Хор делился на 2 полухория. Они одновременно пели и танцевали и это пение и танцевание были очень специфическим. Это было что-то вроде речитатива.

Во время этого одно полухорие двигалось в одну сторону, а другое в другую. И когда полухорие доходило до края орхестры, оно поворачивалось и двигалось в другую сторону. И вот движение в одну сторону называлось – строфа, а в другую сторону – антистрофа.

Строфа – это поворот мысли поэта. А в греческом театре и физический поворот.

За пародом следовал эписодий. Это событие которое происходит между актерами на проскении.

6. Спектакль в Древней Греции

Греческая трагедия обладает следующей конструкцией (01:56:23)

Она начинается всегда с парода (проход)

Так же называется часть текста. В пьесе парод- это выход хора на орхестру.

Хор это главное действующее лицо в греческом театре.

Когда мы читаем греческие трагедии – хор нам все время мешает. Мы больше стремимся прочесть что же написано в эписодиях. Там сюжет. А для грека важен именно хор, потому что хор дает те комментарии, которые помогают точнее понять, что хочет сказать драматург.

Читая «Антигону» или «Царя Эдипа» мы не понимаем кто кому родственник, что там у них случилось до этого. Для греков это была совершенно понятная история. Они знали с чего все началось и чем дело кончится. Истории были известны. (в отличие от шекспировского театра, там люди шли за сюжетом). Картинки необычной тоже не было. Костюмы знаковые, действия традиционные. Хор поет и танцует, актер говорит текст. А греки смотрели за мыслью автора. Античная трагедия – это супер-интеллектуальное зрелище. Переслушивая известный сюжет, они понимали для себя важные для сегодняшнего дня вещи.

Хор делился на 2 полухория. Они одновременно пели и танцевали и это пение и танцевание были очень специфическим. Это было что-то вроде речитатива.

Во время этого одно полухорие двигалось в одну сторону, а другое в другую. И когда полухорие доходило до края орхестры, оно поворачивалось и двигалось в другую сторону. И вот движение в одну сторону называлось – строфа, а в другую сторону – антистрофа.

Строфа – это поворот мысли поэта. А в греческом театре и физический поворот.

За пародом следовал эписодий. Это событие которое происходит между актерами на проскении.

В греческом театре было всего 3 актера:

Протагонист – исполнитель главной роли. Он выходил из скены и оставался на проскении.

Дефтарогонист - второй актер. Он выходил из одного парода и потом уходил в другой. Он мог надевать на лицо разные маски. Он мог играть несколько ролей, в отличие от протагониста.

Аристотель написал, что дефтарогониста вывел Эсхил, а Софокл вывел третьего актера - тритагониста.

При Софокле действие пьесы усложнилось, потому что с этого момента тритагонист начинает играть несколько ролей, а дефторогонист становится антогонистом протагониста. С этого момента разворачивается конфликт между двумя героями. (классический пример – «Антигона» Софокла)

«Антигона»:

Антигона – протагонист (все женские роли играли мужчины)

Креонт – дефторогонист

Между ними разворачивается конфликт.

Всех других персонажей играет третий актер

За пародом идет первый эписодий. За ним следует первый стасим (это комментарий хора). Во время эписодия хор устраивается на орхестре и смотрит на него. В этот момент зритель чувствует себя частью хора.

Потом следует второй эписодий и второй стасим.

Потом следует третий эписодий и третий стасим.

Эксот- уход хора с орхестры.

Греческая трагедия состоит из трех частей, из трех главных событий.

В первом эписодии находится событие, которое дает толчок всей пьесы (завязка)

Во втором эписодии располагается событие, в котором герои встают перед друг другом в полный рост. Это высшее проявление конфликта в пьесе (кульминация).

В третьем эписодии находится событие, которое разрешает конфликт, заданной в завязке и проявленной в кульминации (развязка)

Это абсолютно классическая конструкция. Треугольник. В любой нормальной пьесе есть 3 части. Аристотель говорил, что у любого произведения есть начало, середина и конец.

Откуда же в классической пьесе берутся 5 актов?

Пример «Гамлет»

Завязка- клятва Гамлета призраку, о том, что он отомстит за его смерть.

Кульминация – сцена Мышеловки

Развязка- все умерли, пришел Фортинбрас

Классическая конструкция нарушается только когда возникает современный театр. Неклассическая конструкция это когда в пьесе 4 действия, как у Чехова (это то же самое, что 2 действия). Тогда уже и нужно строить и придумывать. А в классической пьесе придумывать нечего.

К вопросу о положительных героях. Система деления на положительных героев и отрицательных это порождения театра 18-19 веков

Античный театр не должен был показывать никакую реальность. Никакие плохие люди на сцену театра не выносятся.

studfiles.net

Костюмы актеров древней Греции и Рима

 Костюм в Древней Греции обладал той же функцией, что и маска. Общей чертой костюмов была яркость и пестрота. В основе трагического костюма лежало одеяние жрецов Диониса – пышное, яркое, многоцветное. Под верхнюю сценическую одежду (хитон) актеры надевали «толщинки», на хитон набрасывали плащ (гиматион или хламида). Ноги трагических актеров были обуты в особую обувь, увеличивающую рост - котурны.

Трагический актер, лишенный мимики из-за маски, в утяжеляющих одеждах, на высоких подставках был малоподвижен. Он должен был виртуозно владеть движениями и жестом. Комический же актер, напротив, двигаться должен был как можно больше. Он использовал цирковые приемы, кувырки, жонглирование, пел, плясал и т.п. для достижения Буффонады.

И те, и другие должны были очень четки и красиво говорить. Дикции и голосу придавалось большое значение.

Ценилось техническое мастерство: эллины различали 34 манеры актерского произношения.

Мужской хитон.

Низ хитона подшивали, т.к. неподшитый, обтрёпанный низ - знак траура или рабства. Хитоны с рукавами носили только актеры.

 Длинные, до лодыжек, хитоны носили трагические актеры.

Цвет костюма был характерной приметой роли: цари носили красное.,несчастные – синее с черным. Были и индивидуальные одежды: сетчатый плащ для прорицателя, алая накидка для охотников.

 Котурны – закрытые сандалии (сапоги) на высокой подошве.

Как элемент одежды в повседневной жизни котурны были доступны только обеспеченным людям. В театре Древней Греции актеры использовали эту обувь при исполнении трагических ролей. Подошва увеличивала рост героя, придавала ему величавость и торжественность, а так же возвышала его над сценой.

Подошва постоянно росла и постепенно от размера всего, примерно, в 5 сантиметров подошва достигла длины в локоть. Напоминая больше ходули.

В Древнем Риме ботинки –котурны использовались при исполнении ролей богов или инпереторов, приравнивающих себя к богам.

Маски

Существовали для быстрого перевоплощения. Актеры просто меняли маски в которых выступали. Нужно помнить, что женские роли исполняли мужчины.  Так же маска была нужна из-за размеров греческого театра: без маски  лица актеров были плохо видны на дальнем ряду.

Во временя драматурга Эсхила появились цветные маски, так как было введено окрашивание. Маски надевали на голову наподобие шлема. Сначала маски делали из дерева и луба, позднее – из гипса.

Маска  как рупор. В масках делали приспособление для усиления голоса актера. Внутренняя часть маски около рта выкладывалась серебром и медью и имела вид воронки. Иногда маски были сдвоенные, строенные, это давало возможность небольшому количеству актеров играть несколько ролей, быстро преображаться.

 Портретные театральные маски стали делать позднее, они чертами лица были похожи на знаменитых людей: царей, полководцев. Это обижало, поэтому со временем портретная маска была запрещена. Полумаски использовали редко. Позднее стали к маскам прикреплять парики, сделанные из пакли, веревок. Голова в своем размере сильно увеличилась.

 В древней комедии большая часть масок(как и костюмов) должна была вызывать смех, отсюда их карикатурный и гротесковый характер.

 Четкое разделение типов маски. Каждому определенному характеру и настроению соответствовала «своя» маска. Так, силу и здоровье. представлял смуглый цвет лика маски,. болезненность — желтый, хитрость — красный, а гнев — багровый. Гладкий лоб выражал веселое настроение, а крутой — мрачное.

Одежды хора в трагедии, вероятно, мало чем отличались от костюмов актеров. Хоревты сатировской драмы носили обтянутое косматое трико и козлиную шкур.

Хор Аристофановской комедии-сказки носил диковинные и фантастические одежды, и являлся то в виде птиц, то в наряде ос или облаков.

Театр Аристофана (комедия Др.Греции). Здесь тело актеров прежде всего увеличивалось в толщину: огромное брюхо, свислый зад, часто горб, дополненные символом бога, огромным фаллом, создавали каррикатурный и гротескный образ клоуна-шута. Костюм его состоял из пестрого трико, плотно облегающего тело, и длинных штанов.

Поэтому Аристотель определяет комедию как: «подражание худшим людям, но не во всей их порочности, а в смешном виде» 

Лекция Александры Давыдовой

www.art-gamma.com

Театральные маски

Маска – это специальная накладка на лицо из какого-либо материала, надеваемая с целью не быть узнанным или для защиты. Происходит от французского слова «masquе», в русском языке слову «маска» соответствует слово «личина». Форма маски обычно повторяет человеческое лицо, в ней имеются прорези для глаз, иногда еще для рта и носа. Маска призвана изображать чужое лицо или представлять «безличность», «безымянность, скрывая часть лица или лицо полностью.

Маски начали использовать с древних времен в церемониальных, практических и эстетических целях. Их изготавливают из разнообразных материалов: папье-маше, дерева, гипса, металла, кожи, ткани, бумаги.

В мировой театральной традиции с древних времен маски играют важную роль и являются атрибутом театрального действия. Театральные маски появились из обрядовых. Особенное значение маскам уделялось в восточных культурах. Их использование в театральной среде сохранилось до настоящего времени, хотя маски и претерпели изменения формы и выразительных средств. Традиционная форма маски бывает в виде накладки на лицо, что было присуще древнегреческому театру, буддистскому мистериальному театру, итальянской комедии дель арте (прообраз современных клоунов) и другим. Форма маски в виде грима присуща японским театрам Кабуки и Но.

На европейской территории использование масок в театральном искусстве вначале широко было представлено только в древнегреческом и древнеримском театре. Общеизвестный символ театрального искусства – две маски, плачущая и смеющаяся, берет начало в театре древней Греции.

Греческие маски обычно имели широко открытый рот, в связи с чем они еще выполняли роль рупора, потому что помогали актерскому голосу достигнуть дальних трибун в амфитеатре. Их часто изготавливали из бронзы.

В средние века носить маску во время выступления полагалось по мистическим соображениям. Много представлений было из жития святых, поэтому, изображая богов, актеры должны были надевать серебряные или золотые маски.

Расцвет в использовании масок приходится на эпоху Возрождения. Огромное количество  маскарадов, карнавалов, балов и других представлений, происходящих прямо на улице или в дворцовой обстановке формировало спрос и способствовало процветанию масочного ремесла. Популярности маскам добавило искусство балета, где артисты часто использовали маски.

Театральная маска позволяет актеру сыграть обобщенный, не индивидуализированный образ или с ее помощью отобразить универсальную эмоцию. Эмблематика маски дает возможность распознавать различные группы персонажей. К примеру, в театре Древней Греции, смеющаяся и плачущая маски являются знаками комических и трагических персонажей.

В ХХ веке снова появляется интерес к театральным маскам. Это можно увидеть у В. Мейерхольда, Е. Вахтангова, Н. Евреинова, Дж. Стрелера и других. В это время в спектаклях стали активно использовать маски старинного театра и создавать новые, например, театральные опыты экспрессионистов, кубистов, дадаистов. Это было связано, прежде всего, с отказом от эстетики натуралистического театра. 

В современном театре маска подчеркивает выразительность подвижного тела актера (контраст со статичностью маски), также это помогает актеру освободиться от всевозможных запретов (в том числе от социальных и сексуальных) и добиться сценического гротеска. В нынешней театральной практике нередко используется прием публичного «надевания» и «срывания» масок, что делает саму ситуацию «перевоплощения», «изменения», «трансформации» актера видимой для зрителя. Этим самым достигается отстранение исполнителя от персонажа, подчеркивается граница между игрой и жизнью. Также в наше время маски часто используют в кукольных театрах и цирковых представлениях.

Многие театры используют маски, сделанные профессионалами из Венеции, где уже несколько веком проходят театральные фестивали и карнавалы. Но театральные маски можно сделать и самому.

Как самому сделать театральную маску

portal-etud.ru

Творческий проект «Театр Древней Греции»

Состав проектной группы: преподаватель театрального отдаления Я.А.Магомедова,  учащиеся театрального отделения ДШИ (дети 9-14 лет).

Тип проекта: творческий, комплексный, долгосрочный.

Задачи проекта:

- формирование у обучающихся представления о театре Древней Греции;

- установление взаимосвязи между общественной жизнью Древней Греции и ее культурой;

- развитие мышления детей путем сравнения, обобщения, наблюдения;

- развитие творческого воображения, актерских способностей, навыков импровизации;

- стимулирование творческой активности.

Проблемные вопросы, решаемые в ходе проекта:

Какова история возникновения театра в Древней Греции?

Из каких частей состоял театр?

Кто играл в древнегреческом театре?

Какие пьесы исполнялись?

В результате проекта учащиеся смогут: рассказать о появлении театра; назвать некоторые особенности театра Древней Греции; находить общее и различное в современном и древнегреческом театрах; различать жанры пьес; проявить свое актерское мастерство.

Отчет о проекте: открытое занятие, оформление проектной папки, создание компьютерной презентации.

ОРГАНИЗАЦИЯ  ПРОЕКТА

1      этап.  Постановка проблемы, определение цели и задач.

Изучая тему «Античный театр», один из учащихся рассказал о том, что был с родителями в туристической поездке в Греции и видел театр в Афинах и Эпидавре. Рассказал о ярких впечатлениях и эмоциях. Детей заинтересовали подробности строения здания древнегреческого театра; как играли актеры, во что были одеты; драматургия того времени. И в чем отличие театра Древней Греции от театра наших дней? В ходе размышлений и беседы дети выявили проблему: «Как возник театр в Древней Греции? Каково гго влияние на современный театр?»

В соответствии с проблемой, учащиеся вместе с преподавателем поставили задачи для дельнейшего решения проблемы:

1)      узнать про театр Древней Греции как можно больше.

2)      по возможности полученные знания применить на практике (изготовление масок, постановка, состязание и т.п.).

2                    этап.  Организация работы в рамках проекта.

1.    Сбор, анализ и систематизация информации об истории, драматургии, архитектуре и устройстве театра Древней Греции.

2.    Беседы и презентации об истории театра.

3.    Театрализованное чтение отрывков из древнегреческих произведений.

4.    Практически применить знания:

- Постановка отрывков из произведений древнегреческих авторов.

- Создание театральной маски.

- Участие в состязании.

5.    Выставка масок, изготовленных учениками.

3                    этап.  Презентация результатов творческой работы.

1.    Открытый урок – состязание.

2.    Оформление проектной папки и компьютерной презентации.

Цикл уроков по теме «Театр Древней Греции» состоит из 4 занятий, которые знакомят учащихся с возникновением и развитием древнегреческого театра; с творчеством выдающихся драматургов того времени, театральными жанрами и сюжетами пьес; особенностями архитектуры театров и ролью театральной маски в актерской игре. Развивают у учащихся культуру речи, умение инсценировать драматические произведения, умение анализировать и высказывать свое мнение. Воспитывают интерес и уважительное отношение к истории древнейшей цивилизации и театральному искусству в целом.

По окончании проекта учащимся задавались вопросы:

Понравилось ли вам работать над проектом «Театр Древней Греции»?

Что запомнилось больше всего?

Изменилось ли отношение к истории Древней Греции?

Что нового для себя вы узнали о культуре древнегреческого народа?

Понятна ли вам разница между современным театром и древнегреческим?

Можете назвать драматургов Древней Греции?

Хотите ли вы еще участвовать в подобных проектах?

В ходе этого опроса выяснилось, что кому-то больше понравилась прикладная работа – изготовление маски; кому-то работа с текстами – эпизодами пьес; кто-то наибольшее удовольствие получил от выступления на сцене.  Это говорит о том, что проект – это та форма работы с детьми, которая позволяет найти индивидуальный подход к каждому учащемуся.

Всем понравилось обилие наглядного материала, работа с макетом. Даже домашнее задание – подготовить маленькие сообщения о театре Древней Греции - не вызвало возмущения и недовольства. Благодаря тому, что дети сами подсказали тему проекта, они и работали над ней с энтузиазмом.

1 урок  «Возникновение театра в Древней Греции, его структура»

Цели

Обучающие: знакомство с историей возникновения театра в Древней Греции,  терминологией, особенностями зданий древнегреческих театров.

Развивающие: развитие аналитического мышления, творческого воображения, навыков самоанализа и самоконтроля.

Воспитательные: развитие эмоциональной и творческой активности учащихся, воспитание интереса к культуре и истории театра.

Оборудование: компьютер, школьная доска, таблицы-словарики для каждого учащегося, фотографии и схемы театров Древней Греции, термины в печатном виде и дата рождения театра, макет древнегреческого театра, текст для чтеца.

Содержание урока

I.                   Организационный момент.

Преподаватель: Рада приветствовать всех интересующихся историей театра. Тема урока не совсем обычная, она раскрывает возникновение не только театра Древней Греции, но и истоки современного театра. Но обо всем по порядку.

II.                Изучение нового материала.

Преподаватель: Во время наших встреч вы узнаете много новых и уже знакомых вам слов, все они греческого происхождения. Чтобы легче их было запомнить  и уместно употреблять, у каждого из вас будет заведен словарик.

Запишите первое слово в ваши словарики:

ТЕАТР – место для зрелищ.

Древнегреческий театр возник более 2500 лет назад и генетически восходит к культовым обрядам глубокой древности (охота, земледелие, проводы зимы, заупокойный плач). При всей примитивности и простоте древних игровых обрядов, в них уже можно заметить ростки будущего театрального действия - сочетание музыки, танца, песни, слова. Собственно греческий театр произошел от празднеств в честь Диониса – бога виноделия, которые справлялись весной и осенью, длились несколько дней и представлявляли собой торжественные процессии, мистерии, называвшиеся Великие Дионисии,  а затем состязания драматургов, поэтов, хоров в специально построенном для этих целей здании. Театр играл большую роль в общественной и культурной жизни древнегреческого города. Эти дни объявлялись нерабочими и все население города обязано было прийти на праздник.

Один из учащихся зачитывает текст. В это время преподаватель показывает слайды и иллюстрации: Когда под звуки флейт и свирелей Дионис приходит в Грецию, то в стране начинается весна, пригревает солнце, расцветают цветы, происходит новое возрождение жизни. Во время Великих Дионисий греки пили молодое вино, устраивали шумные шествия по улицам городов, водили хороводы и показывали маленькие представления из жизни самого веселого из богов. В греческих мифах говорится, что Дионис везде появляется в окружении сатиров – это лесные боги с козлиными рогами, хвостами и копытами. Они поют дифирамбы – хвалебные песни в честь бога Диониса. Предводителя сатиров называли корифей, позже и главного в хоре станут так называть.

Преподаватель: давайте запишем значения новых слов в словарик.

ДИОНИС – бог виноделия.

ДИФИРАМБЫ – хвалебные песни.

КОРИФЕЙ – предводитель сатиров  (позже главный в хоре).

САТИРЫ – лесные боги с козлиными рогами, хвостами и копытами, спутники Диониса.

Преподаватель: Мы и сегодня можем слышать выражение «петь дифирамбы», т. е. прославлять кого-либо, а корифеями сейчас называют выдающихся деятелей культуры и науки.

Участники шествий раскрашивали лица или надевали маски, привязывали бороды, одевались в шкуры козлов, чтобы походить на сатиров, спутников Диониса. Эти праздники были настолько популярными, что правитель Писистрат решил сделать их государственными и установил трехдневные театральные представления для празднования Дионисий 27 марта 534 года до н.э. Эта  дата сегодня нам известна как «День театра».

Театральное здание обычно располагалось на естественных холмах, Театр Диониса в Афинах расположился на холме Акрополя.

Характер представлений обусловливал и вид театрального сооружения. Театр был массовым. Театр в Афинах вмещал до 27000 человек. Театр в Мегалополе – 44000 человек.    

Театр был без крыши и состоял из трех основных частей: орхестры (от глагола «пляшу»), мест для зрителей  - театрона (от глагола «смотрю») и скены (от существительного «палатка»).  

Демонстрируется схема театра, и учащиеся работают с макетом.

Преподаватель: Древнейшей из этих частей является орхестра – круглая площадка, на которой выступали хор и актеры. Поскольку актеру приходилось уходить и вновь выходить на орхестру для переодевания, то против мест для зрителей было построено маленькое деревянное сооружение – скена. Постепенно скена превратилась в заднюю трехмерную декорацию. Действие стало перемещаться с середины орхестры на задний план, ближе к декорациям. Чтобы фиксировать внимание зрителей на скене, ее стали ограничивать двумя пристроенными по бокам флигелями – параскениями, каждый из которых имел тоже по выходу на орхестру.  

Драматургия стимулировала процесс обновления обустройства театрального пространства.  В V  веке в театре уже было несколько простых театральных механизмов.

Первая машина – эккиклема – представляла платформу на колесах, выкатываемую на колесах из «царской двери» на орхестру по особым желобам. Это был своеобразный «крупный план» - условный показ того, что происходило внутри помещения скены – дома, дворца или храма. Это могли быть трупы убитых героев, поскольку сцены самих убийств не принято было показывать зрителям.

Другая машина – эорема или механэ – служила для появления персонажа над зданием скены и представляла собой подъемный кран, прикрепленный изнутри к верхним балкам здания скены. В трагедии обычно использовалась в финале для эффектного появления богов.

Третья машина – дистегия – внутренний подъемник, дававший возможность действующим лицам показываться изнутри скены на разных высотах – на балконе, в окне и т.д.

В дни празднеств театр не имел никаких украшений, кроме этого архитектурного убранства – колоннады, статуи Диониса, алтаря в центре. Для драматизированных празднеств за трибуной выдвигали легкую передвижную перегородку с рядом прорезанных в ней дверей. Расписанные декорации навешивались на перегородку.

Известны театры, в которых занавес, натянутый перед сценой, опускался во время действия.

Публика на подобных зрелищах была представлена всеми социальными слоями афинского общества. Однако замужним женщинам и подросткам было разрешено посещать только трагедии. Рабы могли посещать представления только в качестве сопровождающих своих господ.  

Посещение представлений сначала было бесплатным. А когда устроители спектаклей стали брать входную плату, то Перикл, правитель Афин, в середине V  века учредил специальную кассу для раздачи беднякам «зрелищных денег» - теорикон.

Преподаватель: Продолжаем заполнять наш словарик.

ОРХЕСТРА – круглая или полукруглая площадка для выступления актеров.

ТЕАТРОН – места для почетных зрителей (от глагола «смотрю»).

СКЕНА – пристройка около сцены (от существительного «палатка»). 

ТЕОРИКОН – «зрелищные деньги».

Преподаватель:  Вам эти слова кажутся знакомыми? На какие слова они похожи?

III.             Закрепление нового материала.

Презентация  «ГЛАВНЕЙШИЕ ГРЕЧЕСКИЕ ТЕАТРЫ».

IV.              Итог урока.

Вопросы к учащимся:

- Какова история возникновения театра в Древней Греции?

- Из каких частей он состоял?

- Что нового вы сегодня узнали?

- Что особенно понравилось на уроке?

2 урок «Актерское искусство и маски древнегреческого театра».

Цели

Обучающие: изучение нового материала, связанного со структурой древнегреческого театра, актерским искусством, знакомство с новыми понятиями.

Развивающие: развитие творческих навыков работы при создании театральной маски.

Воспитательные: установление связи традиций древнегреческого и современного театра, углубление эстетических потребностей учащихся.

Оборудование: компьютер, школьная доска, таблицы-словарики для каждого учащегося, фотографии масок и актеров, термины в печатном виде, бумага формата А-3 белая, бумага гофрированная, цветная, ножницы, клей, карандаши, шаблоны для лица.

Содержание урока:

I.                   Организационный момент.

Преподаватель: мы продолжаем знакомство с театром Древней Греции. Сегодня мы поговорим об особенностях актерской игры, еще у нас будет творческая работа, о которой вы узнаете позже.

II.                Изучение нового материала.

Преподаватель: Первоначально главным действующим лицом был хор из 12 человек, при Софокле – из 15. В комедии хор состоял из 24 человек, он выражал точку зрения идеального зрителя. В партиях хора раскрывался смысл спектакля. Первоначально актерами были авторы-драматурги, о них мы поговорим на отдельном уроке, потом стали появляться профессиональные актеры с выработанной техникой, индивидуальной манерой игры. Их называли Мастерами Диониса, и, поскольку организация спектаклей была частью государственного культа, эта профессия была почетной, ей могли заниматься свободные полноправные граждане. Актер на первые роли назывался протагонистом, двое других – девтерагонистом и тритагонистом.

Начиналось представление чествованием почетных граждан, затем приносили жертву Дионису, только потом начиналось собственно театральное действие, о чем возвещали звуки флейт: выходил хор с корифеем-запевалой во главе. Текст пьесы всегда был стихотворным, поэтому античных драматургов называли драматическим поэтами.

Все актеры были мужчинами, они меняли несколько раз костюмы и маски. К ним впоследствии прибавились статисты – лица без речей. Поскольку героями спектаклей являлись мифологические персонажи, им старались придать огромный рост, что достигалось с помощью котурнов – сапог на высоких подметках, высокой шевелюры, толстых подкладок под одежду. Общей чертой костюмов была яркость и пестрота. В основе трагического костюма лежало одеяние дионисовых жрецов – пышное, яркое, многоцветное. Под верхнюю сценическую одежду (хитон) актеры надевали «толщинки», на хитон набрасывали плащ (хламида).

Давайте запишем новые слова в словарики.

ХИТОН – верхняя одежда греков.

ХЛАМИДА – плащ.

КОТУРНЫ – сапоги с высокими подставками под подошвами.

ПРОТАГОНИСТ – актер на первые роли.

Преподаватель: Трагический актер, лишенный мимики, в утяжеляющих одеждах, на высоких подставках был малоподвижен. Он должен был виртуозно владеть движениями и жестом. Комический же актер, напротив, двигаться должен был как можно больше. Он использовал цирковые приемы, кувырки, жонглирование, пел, плясал и т.п. И те, и другие должны были очень четко и красиво говорить. Дикции, голосу придавалось большое значение.

Исполнители в трагедии и комедии были совершенно различными. Это обусловлено различным происхождением обоих жанров. Прототипом трагических актеров были жрецы и другие исполнители культа, а комические актеры вышли из мимов – подражателей, скоморохов – болтунов, шутников. У трагиков требовался пафос, а у комедиантов – шутовство.

На лица актеры надевали маски, которые могли передать только типическое выражение и производили впечатление полной неподвижности. В разные моменты маски менялись. Все маски были с раскрытыми ртами, чтобы свободно мог звучать голос исполнителя. В комедиях и сатировских драмах костюмы и маски должны были вызвать смех у зрителя, поэтому они отличались нарочитой уродливостью, подчеркнутостью отрицательных черт персонажа. Маски мужских персонажей всегда были темных цветов, женских – белых и светлых. Раздражительность обозначалась багровым цветом маски, хитрость – рыжим, болезненность – желтым и т.д. Функция масок - донести смысл происходящего до зрителей дальних рядов.

III.             Закрепление пройденного материала.

Презентация «МАСКИ».

IV.             Творческое задание.

Преподаватель:  Так что же такое маска? Давайте запишем в словарики:

МАСКА -  специальная накладка на лицо с вырезами для глаз и рта, изображавшая человеческое лицо, звериную морду, бога или духа и т. п.

Преподаватель:  Маски были комические и трагические. Давайте проведем маленький опыт: я вам раздам шаблоны лица, а вы с помощью картонных заготовок изобразите какие-то эмоции: грусть, гнев, печаль, веселье, коварство…

А теперь обещанное творческое задание. Давайте попробуем сделать маски для древнегреческого театра.

Перед началом изготовления дети знакомятся с этапами создания маски, выбирают комическую или трагическую маску для изготовления, украшают маску с помощью цветной и гофрированной бумаги.

Преподаватель:  Теперь мы можем оформить выставку «Маски Древней Греции».

V.                Итог урока.

Вопросы к учащимся:

- Что нового узнали на уроке?

- Какие маски бывают?

- Кто играл в древнегреческом театре?

3 урок  «Жанры древнегреческого театра»

Цели

Обучающие: знакомство с жанрами древнегреческой драматургии, изучение эпизодов из пьес Софокла и Еврипида.

Развивающие: развитие умения инсценировать драматическое произведение, понимать особый вид драматургии.

Воспитательные: Развивать эстетический вкус, способности к театральному творчеству, к импровизации; развивать умение работать с различными источниками информации.

Оборудование: школьная доска, таблицы-словарики каждого учащегося, фотографии и схемы театров Древней Греции, термины в печатном виде и дата рождения театра, тексты для актеров.

Содержание урока

I.                   Организационный момент.

Преподаватель: Сегодня мы с вами попадем в театр Древней Греции на Великие Дионисии. Сегодня в театре будут показаны пьесы: комедия и трагедия. Давайте с вами разберемся, что это за пьесы такие и откуда они берут свое начало, кто их придумал.

II.                Изучение нового материала.

Преподаватель: В Афинах Великие Дионисии начинались торжественным выносом статуи Диониса из посвященного ему храма и шествием праздничной процессии вакханок, сатиров. В ходе процессии участники шествия плясали, распевали дифирамбы и фаллические песни, осуществляя, таким образом, магию оплодотворения земли. Считают, что от дифирамбов произошла древнегреческая трагедия, от фаллических песен – комедия. На следующий день процессия направлялась по улице Треножников к зданию театра на склоне холма Акрополя.

Трагедия по-гречески - песнь козлов («трагос и оде»). Аналогично комедия производится от «космос и оде» - песнь о шествии бражников. В дальнейшем трагедия стала использовать не только сюжеты, связанные с Дионисом, но и сюжеты из жизни города; героем трагедии был человек, борющийся за справедливость с внешними силами, с богами. Хор сатиров заменил хор людей - появилась сатировская драма, новый жанр. Так в древнегреческого театре образовались три жанра: трагедия, комедия, сатировская драма, которая служила заключительной частью тетралогии.

Структура античной драмы была такова: начальная часть до вступления хора – пролог, первая песня хора, с которой он входил на орхестру, – парод (проход), дальнейшие диалоги – эписодии (привходящие), заключительная часть драмы – эксод (исход), когда хор удалялся из орхестры. У Эсхила хор играл важную роль и был главным действующим лицом. У Софокла он уже второстепенен, у Еврипида песни хора – вставки между актами. Греческая драма (трагедия) совмещала в себе декламацию, пение, пляску и музыку, напоминая оперные представления. Герои были игрушками в руках Судьбы-Рока, которая в образе богов (принцип античной драмы – deus ex maxina, бог из машины) вмешивалась в действие спектакля. В представлении комедии было полно буффонады, гротеска, карикатуры, оно уносило зрителя в мир фантазии, сказки.

Давайте запишем новые слова.

КОМЕДИЯ – (от греч. Komos – веселая толпа и oide – песнь) произведение, изображающее такие жизненные положения и характеры, которые вызывают смех. В комедии действующими лицами являлись обычные люди, современники автора и зрителей.

ТРАГЕДИЯ – (от греч. tragos – козел и – oide песнь – буквально «песнь козлов») произведение, изображающее борьбу, личную или общественную катастрофу, обычно оканчивающуюся гибелью героя. В трагедии действовали герои мифов, боги и герои.

ДРАМА – это пьеса с острым конфликтом, который, в отличие от трагического, не столь возвышен и разрешим. Соединяет в себе трагическое и комическое.

Преподаватель: Все театральные постановки проводились в виде состязаний – агона. Зрители аплодисментами, свистом и криками выбирали победителя, венчала его венком из плюща. Если пьеса не нравилась, то зрители могли освистать автора, и закидать актеров оливками или камнями. Эсхил – отец древнегреческой трагедии - в театральных состязаниях не избежал поражений и вынужден был переселиться из Афин в Сицилию. Меньше всего побеждал Еврипид. Софокл считался баловнем судьбы, одержал 24 полные победы.

Демонстрируются фотографии, иллюстрации.

III.             Закрепление пройденного материала.

Преподаватель: Театр просвещал и воспитывал в гражданах честность и доброту, любовь к родине и готовность пожертвовать ради нее и этих идеалов своей жизнью. Сейчас мы с вам отправимся в Древнюю Грецию, а чтобы все понимать, нам нужно повторить словарные слова.

Работа со словариками.

Преподаватель: А теперь возьмите ТЕОРИКОН – «зрелищные деньги» и скорее в театр.

IV.             Постановки учащимися трагедии и комедии.

Просмотр эпизодов из трагедии Еврипида «Елена» и комедии Аристофана «Лягушки».

V.                Итог урока.

Вопросы учащимся:

- что нового вы узнали на уроке?

- какой отрывок вам больше понравился?

- есть ли общее у древнегреческого театра и современного?

4 урок  «Театр Древней Греции»

Цели

Обучающие: закрепление полученных знаний о древнегреческом театре.

Развивающие: обобщить и систематизировать у учащихся представления о театре Древней Греции.

Воспитательные: формирование личностных качеств: коллективизма, ответственности, стимулирование творческой активности.

Оборудование: компьютер, школьная доска, таблицы-словарики для каждого учащегося, фотографии и схемы театров Древней Греции, термины в печатном виде и дата рождения театра, макет древнегреческого театра, кроссворды, выставка масок.

Содержание урока:

I.                   Организационный момент.

Преподаватель: Из предыдущих занятий вам известно, что театральные представления в Древней Греции проходили как соревнования авторов пьес и актеров. Поэтому наше итоговое открытое занятие имеет форму агона – состязания команд, состоящего из трех туров – по количеству дней Великих Дионисий. Судить состязание будут зрители своими аплодисментами, свистом и криками как в настоящем древнегреческом театре.

II.                Интеллектуальная игра.

1 тур. Решение кроссворда для закрепления изученных терминов.

2 тур. Показ любого мифа о подвигах Геракла (домашнее задание).

3 тур. Составление таблицы «Общее и различное в театре Древней Греции и современном театре».

Преподаватель: Я вам буду зачитывать особенности театра, а вы их заносить в нужную графу:

играют комедии и трагедии;

играют только в масках;

есть билеты;

представления 3 раза в год;

играют только мужчины;

играют женщины и мужчины;

представления только днем;

представления длятся 3 дня;

много разных жанров;

играют без масок; 

представление в любое время года;

есть сцена, место для оркестра, хранение декораций;

места для зрителей;

отдельное здание;

представление в любое время суток.

Учащиеся составляют схему, в которую заносятся отличия и общее между современным театральным искусством и древнегреческим, потом вместе проверяют и обсуждают.

Общее:

отдельное здание;

есть сцена, место для оркестра, хранение декораций;

есть билеты;

места для зрителей;

играют комедии и трагедии;

Различия:

III.             Подведение итогов.

Слово предоставляется жюри.

Яна Магомедова, преподаватель отделения театрального искусства Детской школы искусств нп. Африканда 2 Мурманской области

Фото с сайта http://stadies.ucoz.org

www.ug.ru

Смотрите также

• 
  Древние памятники москвы
• 
  Легенды древней индии
• 
  Культура древнего запада
• 
  Ремесла древнего рима
• 
  Логика древней индии
• 
  Славянские обряды древние
• 
  Древние цивилизации картинки
• 
  Древних афин суд
• 
  Древняя цивилизация ацтеков
• 
  Древняя греция гектор
• 
  Гектор древняя греция